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ZENOLOGY PROの価格・セール状況をPlugin Boutiqueで見る

ポチップ

Q. Roland Cloudって何？ ZENOLOGY PROとの関係は？

ZENOLOGY PRO Edit画面

Roland Cloudは、Rolandが提供しているサブスクリプション型のサービスで、ソフトウェア音源やサウンドパックなどを配信しています。無料版のZENOLOGY Liteは、このRoland Cloudの無料会員登録だけで使える位置づけです。

一方のZENOLOGY PROは、Roland Cloudの会員登録とは別に、単体で購入する買い切り型の製品という扱いになっています。購入後は、Roland CloudのショップやPlugin Boutiqueのような販売サイトを通じて、追加のSound Pack（音色パック）やWave Expansions（波形拡張）を買い足して収録音色を増やせるのも特徴です。

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買い切り版のZENOLOGY PROの一部の音はExpansion扱いとなり、全部の音が欲しい場合には追加購入が必要です。

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手元に残したいか、サブスク版でコスパ良く使いたいか？は自身の音楽活動のスタイルに合わせた運営方針によって変わりますね。

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短期間でRolandの音を使い倒したいならサブスクの方が良いだろうし、数年時間をかけて練り込みたいなら買い切り版の方が絶対良いです。

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個人的には手元に残る分、初期投資金額は高いですが買い切り版の方が絶対良いです。

Roland Cloud自体についてもっと詳しく知りたい場合は、Roland Cloud 解約方法の記事や、DTMのサブスクリプションサービスまとめの記事も参考にしてみてください。公式の製品ページはRoland ZENOLOGY PRO公式ページにまとまっています。

Q. 実機のRolandシンセ（Fantomなど）を持っていないと使えない？

ZENOLOGY PRO エフェクト画面

いいえ、実機がなくても普通にDAW上で使えます。単体のソフトウェア音源として、プラグイン形式（VST3／AU／AAX。DAWに読み込んで鳴らすためのプラグインの規格名で、お使いのDAWが対応していればそのまま挿して使えます）で動くので、パソコンとDAWさえあれば問題ありません。

むしろ実機を持っていない人の方が多いはずで、ZENOLOGY PROはそういう人でも一通りのRolandサウンドにアクセスできるのが魅力のひとつです。

もちろん、FantomやJupiter-X、MC-707のようなZEN-Core対応のRolandハードウェアをすでに持っている人には、もうひとつメリットがあります。ハード側で作った音色パッチと、ZENOLOGY PRO側で作ったパッチを相互に読み込める仕組みがあるため、スタジオでは実機、自宅では同じ音色をソフトで、といった使い分けがしやすくなります。これは実機を持っている人だけの、ちょっとしたボーナスのような機能です。

Q. 動作は重くない？CPU負荷は気になる?

マルチティンバー（複数のパートを同時に鳴らせる構成）の音源なので、ピアノもストリングスもドラムも同時に全開で鳴らすような使い方をすれば、それなりにCPU負荷はかかってくると思われます。

ただ、収録音色の多くがPCM波形の再生を軸にした作りなので、ゼロから波形を計算し続けるタイプのシンセに比べると、負荷は比較的穏やかな傾向にあるという印象です。実際にどの程度の負荷になるかはパソコンのスペックや同時に使うプラグインの数にもよるので、不安な場合は制作の初期段階で1〜2パート試しに立ち上げて、手元の環境での重さを確認しておくと安心です。

Q. 価格・セール情報は？

2026-10-01時点で確認したところ、Plugin Boutiqueでは通常価格¥39,910のところ57%OFFの¥17,119で販売されており、セールは10月31日までの表示になっています。セール内容は時期によって変わるので、購入を検討するタイミングで最新の価格を確認しておくのが確実です。

Q. 結局、どんな人に向いてるソフトなの？

ZENOLOGY PROは「音作りをゼロから楽しみたい人」向けというより、「幅広いジャンルの音を、ある程度完成された状態からすぐ使いたい人」向けのプラグインという印象です。

ギター一本で曲を作ってきたけど、弾き語り音源やデモ曲にもう一層厚みを足したい人
ピアノ、ストリングス、ドラムなど複数のジャンルの音を、1本のプラグインでまとめて揃えたい人
すでにFantomやJupiter-XなどZEN-Core対応のRolandハードウェアを持っていて、ソフト側でもパッチを使い回したい人

逆に、1からガッツリ音を練り込みたいサウンドデザイン志向の人には、Omnisphereのようなシンセの方が合っていると思います。

──無料版のZENOLOGY Liteで雰囲気だけでも触ってみて、「もっと音色が欲しい」「保存もしたい」と感じたタイミングでPRO版を検討する、という流れが一番失敗が少ないと思います。ギター一本では出せない音の幅を手軽に足せる道具として、持っておいて損はないプラグインです。

ZENOLOGY PROのセールはこちら

BOSS EX-4 Effects Expanderは何ができる？ペダルボードにあと一歩足りない人へ。従来製品との違いを解説

誰得ギター — Fri, 25 Sep 2026 01:37:37 +0000

歪みとディレイは持っている。でも、モジュレーションも試したいし、ピッチ系のエフェクトも気になる。かといって、コンパクトエフェクターをもう何台も買い足すには、ペダルボードにもう空きがない。ペダルボードを組んでいる人なら、一度はこんな場面にぶつかったことがあると思います。

そんな悩みに向けて、BOSSから「EX-4 Effects Expander（エフェクツ・エクスパンダー）」という新製品が発表されました。この記事では、EX-4が何をする機材なのか、これまでのBOSS製品と何が違うのかを、初心者の方にも分かるように整理します。専門用語は出てきたところで説明しますので、安心して読み進めてください。

結論：EX-4は「ペダルボードに足す、4スロット分のエフェクト・ボックス」

誰得ギター

超コンパクトなマルチエフェクターという位置づけ。

持ち物を減らしたいセッションではこういったペダルは嬉しい！

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複数機能があるので、ペダルボードの中に設置しても良いですよね！

誰得ギター

GT-1000 COREだと機能が多すぎる、筐体が大きすぎるという人にもピッタリ。

先に結論からお伝えします。EX-4は、ペダルボードの上に置いて使う、コンパクトな筐体のマルチエフェクトです。

エフェクトを最大4つ同時に使えて、その4つは120種類のエフェクトから自由に選べます。

ここで言う「ペダルボード」は、複数のエフェクターを1枚の板の上にまとめて並べたものです。ギタリストの「足元の音作りの基地」のようなものですね。「マルチエフェクター」は、1台の中にたくさんのエフェクトが入っていて、切り替えて使える機材のことです。

BOSSは公式ページでEX-4を「ペダルボードの可能性を拡張するコンパクトなマルチ・エフェクト・ペダル」と紹介しています。英語版の公式ページには、今のボードで働いているものは変えずに、使えるサウンドの幅だけを広げる、という趣旨の説明もあります。つまり、今使っているペダルを全部入れ替える機材ではなく、今あるボードにもう1台足して守備範囲を広げる機材、という位置づけです。

まずは、公式のリファレンス・マニュアルに載っている主な仕様を一覧にしておきます。

項目	内容
エフェクト・タイプ	120種類
同時に使えるエフェクト	4つ（FX1〜FX4）＋ユーティリティ6つ
メモリー	ユーザー128＋プリセット128
ディスプレイ	カラー・グラフィックLCD（320×240ドット）、公式ページでは2.4インチ
オーディオ入出力	INPUT L/MONO・R(RETURN)、OUTPUT L/MONO・R(SEND)（標準タイプ、モノ／ステレオ対応）
その他の端子	MIDI IN/OUT（ミニ・タイプ）、CTL1(3)・2(4)/EXP、USB Type-C、DC IN
電源	ACアダプター（PSA-100S、付属）
サイズ	117（幅）×138（奥行）×63（高さ）mm（ゴム足除く）
質量	800g

サイズと重さは、ペダルボードに載せることを前提にしたコンパクトさです。サイズの感覚については、あとで他のBOSS製品と並べて比べます。

EX-4でできること

ここからは、EX-4の機能を順番に見ていきます。ギターのアンプやエフェクターに例えながら説明しますね。

120種類のエフェクトから、最大4つを同時に使える

EX-4には、コンプレッサー、歪み（オーバードライブ／ディストーション／ファズ）、EQ、ワウ、コーラスやフェイザーなどのモジュレーション、ディレイ、リバーブ、ピッチシフターなど、120種類のエフェクトが入っています。公式のパラメーター・ガイドには、アコースティックギターのシミュレーターやシタールのシミュレーター、ギターシンセのようなちょっと変わったタイプも並んでいます。ベース向けにチューンされたエフェクトも用意されています。

エフェクトの中には、有名なペダルの音をモデリングしたタイプもあります。パラメーター・ガイドを見ると、歪みの中にはIbanezのTS-808、KlonのCENTAUR、Proco RAT、Electro-HarmonixのBig Muffなどを再現したタイプが入っています。ディレイにはRoland RE-201（スペース・エコー）やBinson Echorec2をモデリングしたタイプがあり、リバーブにはホール、プレート、スプリング、シマーなどが揃っています。「モデリング」とは、実在する機材の音の特徴をデジタルで再現する技術のことです。

BOSSらしいところでは、ボリューム奏法（バイオリン奏法）のような効果になる「SLOW GEAR」や、音を細かく刻む「SLICER」も入っています。この2つは、海外の紹介記事でもBOSSらしいエフェクトの例として名前が挙がっています。

そして、この120種類から、4つのスロット（FX1〜FX4）に好きなものを入れて同時に鳴らせます。公式では、4つ全部を同じ種類のエフェクトにすることもできるとされています。たとえば、歪みを2つ重ねて厚みを出したり、ディレイを2つ使って違う長さの反響を重ねたり、といった使い方ができます。

ディレイは音をやまびこのように繰り返すエフェクト、リバーブは部屋やホールの響きを足すエフェクトです。この2つの違いが少し曖昧な方は、ディレイとリバーブの違いを解説した記事や、リバーブの種類を解説した記事も参考になります。コーラスやフェイザーなどの「揺れ系」については、コーラス・フランジャー・フェイザーの違いの記事で仕組みを整理しています。

GEAR SUITE：ノブを回すだけで「お勧めの設定」が呼び出せる

初心者がデジタル機材でつまずきやすいのは、パラメーターが多くて、どこをどういじればいいのか分からないところです。EX-4には、その入口を楽にする「GEAR SUITE（ギア・スイート）」という機能があります。

マニュアルによると、エフェクトのタイプごとに、そのエフェクトの特徴を知り尽くしたプロのギタリストが設定したお勧めの設定が複数入っていて、ノブを回すだけで呼び出せます。パラメーターを細かく調整しなくても、まずは完成度の高い音から始められる、という考え方ですね。ギターアンプで言えば、つまみを全部自分で決める前に、メーカー推奨のセッティング例から始めるようなものです。

自分で作った設定を、GEAR SUITEのユーザー領域に名前を付けて保存することもできます。

マニュアル・モードとメモリー・モード：足元の踏み方が2通り

EX-4のフットスイッチは2つで、どちらもLEDで状態を見分けられます。この2つのスイッチの動きを切り替えるのが、「マニュアル・モード」と「メモリー・モード」です。

マニュアル・モード：初期設定では、左のスイッチでFX1、右のスイッチでFX2をオン／オフします。コンパクトエフェクターを並べて、1台ずつ踏むのと同じ感覚です。
メモリー・モード：あらかじめ保存した音色の組み合わせ（メモリー）を切り替えるモードです。左のスイッチで1つ前のメモリー、右のスイッチで次のメモリーに移ります。

「メモリー」というのは、4つのエフェクトの種類・設定・並び順をまとめて保存したものです。ユーザーメモリーが128個、書き換えられないプリセットが128個入っています。2つのスイッチを同時に押すと、モードを切り替えられます。

本体には、FX1〜FX4のボタンも別についています。足元のスイッチが2つでも、手で押せるボタンでFX3・FX4をオン／オフできるので、事前に音を作る場面では困りません。また、スイッチの役割は変更もできて、メモリー・モードでも「FX1とFX2をオン／オフ」「FX3とFX4をオン／オフ」といった使い方に切り替えられます。

直列と並列、並び順も自由に組める

エフェクターは、つなぐ順番で音が変わります。たとえば歪みのあとにリバーブを置くのと、リバーブのあとに歪みを置くのでは、まったく違う音になりますよね。EX-4は、4つのエフェクトの並び順を画面上で入れ替えられます。

さらに、エフェクトのつなぎ方（STRUCTURE）として、1本の線に沿って順番に通す「直列」に加えて、信号を2つに分けて別々のエフェクトを通し、あとで合流させる「並列」も選べます。画面には、直列の2種類と並列の3種類のパターンが用意されています。並列にすると、原音を残したまま別の系統でエフェクトをかける、といった凝った組み方もできます。

ユーティリティ：エフェクトの外側を支える6つの道具

EX-4には、4つのエフェクトとは別に、6つのユーティリティが入っています。マニュアルでは「4（FX1〜4）＋6」と書かれている部分です。

フット・ボリューム：エクスプレッション・ペダルをつなぐと、足で音量を操作できます
ノイズ・サプレッサー（2つ）：弾いていないときのノイズを抑える機能です。歪みを深くかけるほど、ジーッというノイズが気になりますよね。それを抑える道具です
グローバルEQ：出力の音質全体を整えるイコライザーで、設定を3つまで保存できます
センド／リターン：外部のエフェクターをEX-4の中に組み込むための端子と機能です
ディバイダー／ミキサー：信号を2つに分けたり、合流させたりする部分です

公式の説明によると、ユーティリティはエフェクトの並びの中で好きな位置に置けます。

キャリーオーバー：音色を切り替えても余韻を残せる

デジタルのマルチエフェクターでは、メモリーを切り替えた瞬間にディレイやリバーブの余韻がプツッと切れてしまうことがあります。EX-4には、これを避けるための「キャリーオーバー」機能があります。

マニュアルによると、ディレイやリバーブをオフにしても残響を鳴らしたままにできる機能で、切り替え前後でエフェクトの構成と種類をそろえておくと、より自然に聞こえます。音色を切り替えるたびに余韻が途切れてしまうのが気になる人には、うれしい仕組みです。

接続の自由度：ボードの先頭にも、中盤にも、末尾にも

EX-4の背面には、モノ／ステレオ対応の入出力が4系統あります。マニュアルには、ペダルボードに置く位置ごとに、こんな使い分けが書かれています。

ボードの末尾に置く（EX-4の出力をアンプにつなぐ）：ディレイやリバーブを使うときはこの接続にします
ボードの先頭に置く（ギターを直接つなぐ）：歪みを使うときや、ピッチを検出するエフェクト（ハーモニストなど）を使うときに向いています
ボードの中盤に置く：手前にお気に入りの歪みペダル、あとにお気に入りのディレイやリバーブを置きたいときの位置です

さらに、センド／リターンの機能を有効にすると、EX-4のエフェクトの途中に、外部のエフェクターを1つ差し込めます。お気に入りのコンパクトエフェクターを、EX-4の中の好きな位置に組み込めるということです。

上級者向けの使い方として、「4CM（フォー・ケーブル・メソッド）」にも対応しています。ギターアンプのセンド／リターン端子とEX-4をケーブル4本でつなぐ方法で、アンプの歪みの前後にエフェクトを分けて置けます。歪みの前に置きたいエフェクトと、歪みのあとに置きたいエフェクトを、1台の中で使い分けられるわけです。ただし、センド／リターン端子のないギターアンプでは、この4CMは使えません。

ほかにも、STRUCTUREを並列にして、ギター2本を持ち替えたり、アンプを2台鳴らしてステレオのリバーブやコーラスを楽しんだりする接続例も、マニュアルに載っています。

外部ペダルとMIDI、USB

CTL1(3)・2(4)/EXP端子には、別売のフットスイッチ（FS-5U、FS-5L、FS-6、FS-7）やエクスプレッション・ペダル（FV-500L、FV-500H、EV-30、Roland EV-5）をつなげます。エクスプレッション・ペダルは、かかとやつま先で踏み込む量に応じて、音量やエフェクトの深さを連続的に変えるためのペダルです。マニュアルによると、どの操作でどのパラメーターを動かすかという組み合わせを、最大8パターンまで設定できます。

MIDI IN/OUT端子は、ほかのMIDI対応機器とつなぐためのものです。MIDIとは、楽器同士が「この音色に切り替えて」「テンポをそろえて」といった指令をやり取りするための共通ルールのことです。マニュアルには、EX-4のMIDI OUTからMIDI対応のエフェクターにつないでメモリーを呼び出したり、テンポを同期させたりできる、と書かれています。

USB Type-C端子は、パソコンとつないでMIDIを送受信するためのものです。マニュアルには、EX-4の設定をパソコンにバックアップして、あとから戻す方法（MIDIバルク・ダンプ）が載っています。ただし、この操作にはSysExデータを録音できるDAWかMIDIシーケンサーが必要とされています。専用のエディター・ソフトについては、今回確認したマニュアルの範囲では記載が見つかりませんでした。

従来のBOSS製品と何が違う？いちばん近い機材と並べて比べる

ここからは、「これまでのBOSS製品と何が違うのか」を整理します。EX-4は、コンパクトエフェクターとマルチエフェクターのあいだを埋めるような機材です。近い位置にあるBOSS製品として、マルチ・エフェクト・スイッチャーのMS-3と、ギター・エフェクト・プロセッサーのGX-10、GT-1000COREを、各公式ページの数字で並べてみます。

製品	種類	エフェクト数	同時に使える数	サイズ（幅×奥行×高さ）	質量
EX-4	マルチ・エフェクト・ペダル	120種類	4＋ユーティリティ6	117×138×63mm	800g
MS-3	マルチ・エフェクト・スイッチャー	内蔵112種類	内蔵6系統、外部ループ3系統	275×97×68mm	1.1kg
GX-10	ギター・エフェクト・プロセッサー	170種類	15＋3（ユーティリティ）	300×183×74mm	2.2kg
GT-1000CORE	ギター／ベース・エフェクト・プロセッサー	185種類	2つのプリアンプを含む24ブロック	173×135×63mm	920g

数字は、BOSS公式の各製品ページ（MS-3、GX-10、GT-1000CORE）の仕様欄をもとにしています。

コンパクトエフェクターとの違い：「1台1エフェクト」から「1台で4つ」へ

BOSSのコンパクトエフェクターは、1台に1つのエフェクトが入っていて、ツマミが目の前に並んでいます。EX-4は、1台に4つのエフェクトを入れられて、しかもメモリーごとに切り替えられます。

面白いのは、パラメーター・ガイドを見ると、歴代のBOSSペダルを思わせるタイプが入っているところです。歪みには「BD-2風」「OD-1風」「OD-2風」「MT-2風」「HM-2風」「ML-2風」と書かれたタイプがあり、コンプレッサーにはCS-3をモデリングしたタイプ、フェイザーにはMXR Phase 90をモデリングしたタイプがあります。あくまで「風」「モデリング」なので、実物と全く同じ音になるとは限りません。ただ、名機の方向性の音を試せるのは、この機材の楽しいところだと思います。

その一方で、コンパクトのように1つのエフェクトに専用のツマミが何個も付いているわけではありません。EX-4の操作は、画面を見ながら、3つのつまみと、SELECT／TYPE/VALUEのつまみで行います。この点は、直感的に触れるコンパクトのほうが向いている場面もあるでしょう。

スイッチャー（MS-3）との違い：主役が「内蔵エフェクト」か「手持ちのペダル」か

MS-3は、手持ちのエフェクターを3系統のループにつないで、切り替えを管理する「スイッチャー」が中心の機材です。内蔵エフェクトもありますが、公式ページの説明は、3系統のループを組み合わせて多彩な音色を作ることに重点が置かれています。

一方のEX-4は、内蔵の4つのエフェクトが主役で、外部のペダルをつなげるのはセンド／リターンの1系統です。お気に入りのペダルをたくさん束ねて管理したいならMS-3のようなスイッチャー、ボードに足りないエフェクトを内蔵で補いたいならEX-4、という考え方が分かりやすいと思います。

GX-10・GT-1000COREとの違い：アンプまで入っているか

GX-10とGT-1000COREは、どちらも真空管アンプの音を再現するBOSS独自のAIRD技術を搭載した、ギター・エフェクト・プロセッサーです。GX-10は公式仕様でアンプ／プリアンプが32種類（ギター23、ベース9）、GT-1000COREは2つのプリアンプを含めて24のエフェクト・ブロックを同時に使えます。

EX-4のパラメーター・ガイドを見ると、エフェクトの一覧にアンプやキャビネットをシミュレートするタイプは見当たりません。アコースティックギターやシタールのシミュレーターは入っていますが、アンプの音づくりはしない、エフェクトに特化した機材だと考えられます。海外メディアのGearnewsも、EX-4にはアンプモデルが入っていない一方、GX-10にはアンプモデルが入っていて1台で完結するリグとして使える、という違いを挙げています。

サイズを見ると、EX-4の幅117mmは、GX-10の300mmの半分以下です。高さは、GT-1000COREとEX-4がどちらも63mm（ゴム足除く）で並びます。ペダルボードの上の面積を節約したい人にとっては、この差は大きいはずです。

同時に使えるエフェクトの数では、EX-4は4つ、GX-10は15個（＋ユーティリティ3つ）と、大きな開きがあります。「たくさんのエフェクトを同時に重ねたい」のか、「必要な数だけを小さな筐体で足したい」のか、そこが選ぶ基準になります。

500シリーズなど「1つの系統に特化したBOSSのペダル」との違い

BOSSには、ディレイ、モジュレーション、リバーブなど、1つの系統を深く作り込んだ500シリーズのペダルもあります。当サイトでも、モジュレーション／リバーブの「MD-500」「RV-500」を紹介した記事があります。Gearnewsは、EX-4をこの500シリーズのような専門特化型と、GX-10のようなオールインワンとの中間に位置づけています。1つの系統だけを極めるのではなく、複数の系統を1台にまとめている、という違いです。

従来製品との違いをひとことでまとめると

ここまでを、3つのポイントにまとめます。

ボードに足す前提で作られている：4つのエフェクトを同時に使え、外部のペダルもセンド／リターンで組み込める、拡張向けの設計です
アンプ系のモデリングには手を出していない（と読み取れる）：エフェクトに特化しているぶん、サイズは小さめです
GEAR SUITEやカラー表示で、初心者にも入り口がある：パラメーターが多い機材でも、お勧めの設定から始められます

EX-4はどんな人に向いている？

向いている人

ペダルボードの空きが少ないけれど、ディレイ、リバーブ、モジュレーション、ピッチ系などを増やしたい人
曲やバンドごとに違う音色を、足元のワンタッチで切り替えたい人
お気に入りのコンパクトエフェクターは残したまま、足りない部分だけ補いたい人
ベースで使えるエフェクトが欲しい人（入力タイプをベースに設定でき、ベース向けのエフェクトも入っています）
歴代BOSSペダルの方向性の音を、1台でいろいろ試してみたい人

別の選択肢を見たほうがいい人

アンプやキャビネットの音そのものを、デジタルで作りたい人。GX-10やGT-1000COREのように、アンプ・モデリングを搭載した機材のほうが向いています。ペダルボード型のアンプ・モデラーとしては、当サイトで詳しく解説しているToneX Boardのような選択肢もあります
たくさんの手持ちペダルを、1台でまとめて切り替えたい人。MS-3のようなスイッチャーのほうが向いています
4つを超える数のエフェクトを、同時に重ねて鳴らしたい人

初めてのエフェクター選びの場合は、まずコンパクトを1〜2台使ってみて、「あと少し足りない」と感じたところでEX-4のような機材に進むほうが、それぞれのエフェクトの役割が分かりやすいかもしれません。ボード全体の考え方は、BOSSのマルチエフェクター GT-1000の初心者向けの使い方の記事も、雰囲気をつかむ参考になります。

価格と発売時期（2026年9月25日時点で確認できた情報）

価格と発売日は、情報源によって表記が分かれています。

国内の販売店：イケベ楽器店の新製品情報では、販売価格は税込49,500円、発売は2026年内の予定と案内されています。

よくある疑問

EX-4だけでギターの音は完成する？

EX-4はエフェクトに特化した機材で、アンプの音は作りません。ギターアンプ（または別途のアンプ・シミュレーターなど）は必要になります。EX-4は、アンプの手前や、アンプのセンド／リターンの位置につなぐ機材です。

ベースでも使える？

使えると考えられます。入力タイプの設定にGUITARとBASSがあり、パラメーター・ガイドにはベース用のオクターブ、コンプレッサー、ディストーションなどが載っています。

チューナーやルーパーは入っている？

今回確認したマニュアルの目次と仕様には、チューナーやルーパーの項目は見当たりませんでした。あるかないかは、発売後の公式情報で改めて確認してください。

初心者でも使える？

GEAR SUITEで、お勧めの設定から始められます。ただし、画面を見ながら操作する機材なので、最初はマニュアルの「演奏する」の章から順に触っていくのがおすすめです。公式のリファレンス・マニュアルとパラメーター・ガイドは、すでに公開されています。

まとめ：EX-4は「ボードを作り直さずに、選べる音を増やす」ための1台

EX-4は、120種類のエフェクトから最大4つを同時に使える、ペダルボード向けのコンパクトなマルチ・エフェクト・ペダルです。GEAR SUITEでお勧めの設定から始められ、直列・並列の切り替え、センド／リターン、キャリーオーバー、MIDIなど、拡張向けの機能が揃っています。

従来のBOSS製品との違いは、大きく分けて次のとおりです。コンパクトエフェクターは1台1エフェクトですが、EX-4は1台で4つ。スイッチャーのMS-3は手持ちのペダルの切り替えが主役ですが、EX-4は内蔵エフェクトが主役。GX-10やGT-1000COREのようなプロセッサーはアンプまで入っていますが、EX-4はエフェクトに絞っていて、そのぶんサイズも小さめです。

今のペダルボードに「あと一歩」足りない音があるなら、EX-4は候補の1つになりそうです。国内の価格や発売日は、正式な案内を確認してから判断してください。

「Scaler EQ」使ってみたレビュー! 曲のkeyのハーモニーからズレている周波数を除去して透き通った音に仕上げる

誰得ギター — Thu, 27 Nov 2025 14:58:40 +0000

「Plugin Boutique Scaler EQ」

EQは利用頻度が高すぎて常に使うプラグインのため、みな自分にあったEQを常に探しています。
そのため色々なメーカーからEQが出すぎてていてどれが自分の使い方に合うのかを試しまくっています。

DAW標準でついてくるEQも昔よりははるかにクオリティがあがっていますので、標準EQでも良い気にもなってきますが有料で販売されているEQは標準EQを超えるクオリティなんですよね。

ポイント

――有料EQを導入するメリットといえば
・動作の機敏さ
・作業フローの使いやすさ
・ショートカットの多さ
・音の変化の少なさ

代表的なチェック項目としてこれらが挙げられると思います。

さて、2023年11月に突然Plugin Boutiqueから「Scaler EQ」がリリースされました。

Plugin Boutiqueから出ているものでEQは今までリリースされていなかったこともあり、
ここに来てEQが来たか！とプラグイン激戦区の中に突入していって大丈夫なのか？と勝手に心配していたところ予想以上のEQが上がってきて驚かされました。

今回の「Scaler EQ」は非常に多機能なEQです。
目玉となっているのが曲の音のキーを自動検出し、曲のkeyのハーモニーからズレている周波数を除去して透き通った音に仕上げる機能です。

Scaler EQ はこんな人におすすめ

・Scaler EQの新技術を試したい人
・機能てんこ盛りなEQがほしい人
・クリアなサウンドに仕上がるEQがほしい

Scaler Music Scaler EQ Pro アップグレード導入セール- 25%オフ
【2026/9/23~ 11/1 まで Scaler EQ Pro Upgrade　が　25％OFF】
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Scaler EQからのアップグレード版がセール！

Scaler EQ Pro Upgradeはこちら

Scaler EQ Proを
Pluginboutiqueでチェックする

Scaler EQ　使ってみました

Scaler EQ　レビュー

他のEQにはない独自のハーモニックピークフィルター
低域をモノラル化・ステレオイメージャー・ダイナミクスモード
単体のEQとして見た場合,作業フローにまだまだ足りなさがある

Scaler EQについているフィルタータイプには珍しいものがあります。
それが「ハーモニックピーク」

このトゲトゲの見た目が非常にユニークです。

このフィルターのためだけにScaler EQを導入しても損しないと思います。

サンプル

ストリングスのトラックにScalerEQを使って、2Khzのハーモニックピークを利用して+12dBあげた例。
曲のkeyは　「key = C」になっています。

■Scaler EQの設定　「key = C」　　　/ 　曲のkeyは「key = C」

EQのバンド設定は上と同じで、ScalerEQのキーをDMajにしたときの事例

■Scaler EQの設定　「key = D Maj」　　　/ 　曲のkeyは「key = C」

ハーモナイザーではないのですが、設定キーが合致するとScalerEQで持ち上げた帯域がクリアに強調されるように聞こえます。
半音ずらした設定も可能でおかしくはないのですが、雑味・濁り感が出ます。

■Scaler EQの設定　「key = C# Maj」　　　/ 　曲のkeyは「key = C」

Scaler EQの強み

誰得ギター

DAWのEQでいいじゃん？

となりそうですが、前述の通りScaler EQのKey検出機能が動き、曲のkey内のハーモニーと合うようになるので雑味や濁りが少なくクリアな仕上がりにできます。
他のEQと同様に帯域を持ち上げた時よりもクリアでパワフルに聞こえる音の仕上がりになるのが非常に不思議です。

写真のビューティー加工みたいな手軽さでテンションがあがりました！

Gainをあげたときのシュワシュワ言う感じが少ないので、これまでのEQとは違った感覚で音作りができます。
EQっぽく使えるプラグインエフェクトのような気持ちで操作しても良いですね。

Scaler EQで使えるEQシェイプタイプ

Scaler EQでは9個のEQシェイプタイプが用意されています。

Low Cut
High Cut
Low Shelf
Magic Low Shelf
High Shelf
Magic High Shelf
Peak
Harmonic Peak
Harmonic Peak +/-

Magic High/Low Shelfという見慣れないEQシェイプがあります。
これはステレオ・ソース信号にのみ適用され、シェルフ・シェイプと同様の動作をしますが、信号のステレオイメージを考慮することで、より滑らかで焦点の定まったサウンドになります。

またScaler EQでは通常のEQとしても使えて、他の機能としては

500Hzから下の低域をモノラル化する「MONO FREQUENCY」、
ステレオイメージャー
マルチバンド・コンプレッサー/エクスパンダーとして動作するダイナミクスモード
ステレオ⇒M/S切り替え

が可能です。

足りないものは？

新しいEQがでるとテンションが盛り上がってくるのはDTMerならではの感覚でしょう。

興奮している状態でScaler EQを試して【EQとしての機能】を比較していくとまだまだ物足りない部分が見えてきます。

オートゲインがない
右クリックメニューからバンドを選ぶような機能がない
ショートカットキーがほぼない
履歴で戻ったりUndo/Redoができない

例えばEQプラグインのSonnox Claroならバンドを選択して右クリックメニューからフィルタータイプを変更できたり、コマンドを押しながら上下させるとバンド幅を変更できたりします。
またOzone EQならバンドメニューからほんの少しマウスカーソルをずらすだけでダイナミックEQの設定ができたりします。

EQは何度も使う利用頻度の高いプラグインですから、マウスカーソルを動かす距離を減らすだけでも使い勝手の良さが変わってきます。

FabFilter Pro-Q 3やOzone EQのような洗練されているEQと比べると、EQとして常用するにはまだ足りてない感は否めません。

Scaler EQ 使い方

デフォルトでは、’Global’モードが有効になっており、ブラウザーの右側にある’Global’ボタンで表示されます。

デフォルトのノード設定

ノード番号	シェイプタイプ
1	Magic Low Shelf
2	Harmonic Peak
3	Harmonic Peak
4	Harmonic Peak
5	Harmonic Peak
6	Magic High Shelf

トラックへScaler EQを適応したら「Detect key」を押してキー検知を動かします。
Stopを押すとキーが設定されます。

特定のキーや狙ったスケールがある場合には、自分で選ぶこともできます。

選べるスケール

Major
Minor
Dorian
Phrygian
Lydian
Mixolydian
Locrian
Minor Blues
Minor Pentatonic
Major Pentatonic
Harmonic Minor
Harmonic Major
Melodic Minor
Phrygian-Dominant
Whole-Tone

キーが設定されたらHarmonic Peakが設定されているノードを上下させてブーストさせたい・減衰させたい帯域を指定して上下させます。
インターフェイスの右上にある’Reset’ボタンをクリックすると設定を初期化できます。
各ノードはダブルクリックで0dbの位置へ戻ります。

低域モノ化、ステレオイメージャー

右上のボタンの数値を上下させます。
mono freqの最大値は500Hzです。

EQシェイプタイプ

Low Cut

Scaler EQ Low Cut

High Cut

Low Shelf

Magic Low Shelf

ステレオ・ソース信号にのみ適用。

Scaler EQ Magic Low Shelf

High Shelf

Magic High Shelf

Peak

Scaler EQ Peak

Harmonic Peak

Harmonic Peak +/-

Harmonic Peak +/- は上下にシェイプができる

Scaler EQ Harmonic Peak +/-

ダイナミクスモード

「dynamics」のボタンを押すとダイナミクスモードに変わります。
ダイナミクスモードではマルチバンド・コンプレッサー/エクスパンダーとして動作。
thresholdの値に引っかかった場合に、動作します。

Scaler EQ まとめ

音素材をクリアにパワフルに聞かせられるEQプラグイン。
EQというよりエフェクトとして捉えたほうが納得がいくかもしれません。

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セール情報

Scaler EQ インストール方法

[1]他のプラグイン同様にダウンロード・インストールを行います。
[2]DAWを立ち上げ、ScalrEQを適応します。
[3]「Register a Licens File」を押してライセンスファイルを読み込ます。

ライセンスのファイル名は「scaler_eq.license」です。

「Scaler EQ」の買い方

Scaler EQを購入するなら「Plugin Boutique」がお得に買い物できます。
定期的に変わる購入時のおまけプラグインがもらえる他、サイト内で使えるバーチャルキャッシュ（ポイントみたいなもの）がためていけます。

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チャド・クルーガー（ニッケルバック）使用ギター・アンプ

誰得ギター — Thu, 12 Jul 2012 22:15:15 +0000

チャド・クルーガー（ニッケルバック)　 https://ja.wikipedia.org/wiki/%E3%83%8B%E3%83%83%E3%82%B1%E3%83%AB%E3%83%90%E3%83%83%E3%82%AF#/media/%E3%83%95%E3%82%A1%E3%82%A4%E3%83%AB:Chad_Kroeger_(cropped).jpg

使用ギター

ニッケルバックの太くて重たいリフは、ギターとアンプの組み合わせから生まれています。チャド・クルーガーが使っていると紹介されているギターを、1本ずつ見ていきましょう。

Gibson Chad Kroeger “Blackwater” Les Paul

チャド本人のシグネチャーモデルで、「Blackwater」の愛称で呼ばれています。ネック側にGibsonの490R、ブリッジ側に498Tというハムバッカーを搭載し、さらにGraphTech Ghostというピエゾ（アコースティックギターのような音を拾うタイプ）のブリッジピックアップも備えていると紹介されています。エレキの音とアコースティック風の音を切り替えたり混ぜたりできるのが特徴です。

ハムバッカーは、ノイズが少なく音が太いのが持ち味のピックアップです。初心者の方は「歪ませても音がつぶれにくい、ロック向きのピックアップ」とイメージすると分かりやすいと思います。

Gibson Les Paul Custom（ブラック）

Gibson Custom Shop Les Paul Custom 1PU Ebony VOS ギブソンカスタムショップ

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ポチップ

黒のGibson Les Paul Customも使っていると紹介されています。ノブが1つだけの仕様のものもあるようです（参考：Uber Pro Audio）。レスポール・カスタムは、マホガニーのボディにメイプルトップ、指板にエボニーを使った、見た目も音も重厚なモデルです。低音がしっかり出て、ヘヴィなリフとも相性が良いと言われています。

同じGibson系のギターでロックを鳴らすギタリストとしては、Guns N’ RosesのSlashも有名です。レスポールの使い方の違いを比べてみると、面白い発見があります。

PRS Singlecut（SC 250など）

PRS（Paul Reed Smith）S2 McCarty 594 Singlecut Whale Blue

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Mesa Boogie メサブギー EXPRESS 5:25+ 1×12 Combo エレキギターコンボアンプ

ポチップ

Gibsonだけでなく、PRSのシングルカット系のギターも複数本使っていると紹介されています。Equipboardには「PRS SC-250」が、Uber Pro Audioには「PRS Singlecuts（複数本）」と「PRS Hollowbody II」が載っています。シングルカットとは、レスポールのようにボディの片側だけがえぐれた形のことで、ハイポジションも弾きやすい定番のボディ形状です。

Gibson Explorer 7弦（ブラック）

黒のGibson Explorerの7弦モデルも、EquipboardとUber Pro Audioの両方に掲載されています。低い音域まで出せる7弦は、重たいリフを弾くときの強い味方です。

Gibson SJ-200 Standard Vintage Sunburst（アコースティック）

アコースティックでは、Gibson SJ-200 Standardを使っていると紹介されています（参考：Equipboard）。SJ-200は大きなボディで、音量が大きく低音もふくよかな「ギブソンの看板アコギ」です。ヘヴィなリフのイメージが強いチャドですが、アコースティックで聴かせる一面も持っています。

アンプまわりの補足

上の使用機材リストに並ぶ名前は、主にアメリカのMesa/Boogie（メサブギー）というメーカーの製品です。

Rectifier（レクティファイアー）シリーズの特徴

Mesa/BoogieのRectifierシリーズは、90年代以降のヘヴィなロックやメタルで定番になったアンプです。歪みの量が多く、低音が締まって迫力がある音が特徴で、チャドもTriple Rectifierシリーズのヘッドを使っていると紹介されています（参考：Uber Pro Audio）。同じくMesa/Boogie系のアンプを使うメタル系ギタリストとして、MetallicaのKirk Hammettの使用機材も参考になります。

Mesa/Boogie以外では、FenderのSuper 60ヘッドも使っていると紹介されています（参考：Equipboard）

チャド・クルーガー（ニッケルバック）使用ギター・アンプ

使用機材：
4X12 Standard Rectifierキャビネット（ストレート）
Lone Star 1×12コンボ
Stiletto Deuce-Zinc Bronco（ヘッド）
Triple Rectifier Solo ヘッド

MESA BOOGIE

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ポチップ

Mesa/Boogie Triple Rectifier Solo Head UPDATE

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ポチップ

ヘッド・キャビネット・コンボの違い

アンプは大きく分けて3つの形があり、上のリストの機材もこれで整理できます。

ヘッド：アンプの「頭脳」にあたる部分で、音を作って増幅します。単体ではスピーカーがないため、キャビネットにつないで使います。リストのTriple Rectifier系やStiletto系のヘッドがこれに当たります。
キャビネット：スピーカーが入った箱です。ヘッドの音を実際に空気に鳴らす役目で、リストの4×12は12インチスピーカー4発の大型タイプです。
コンボ：ヘッドとスピーカーが1つの箱に入ったタイプです。リストのLone Star 1×12がこれで、持ち運びしやすいのが利点です。

ちなみにキャビネットも音の一部です。同じヘッドでもキャビネットを変えると、低音の出方や音の広がりが変わります。ギターで言えば、ボディの材が変わるようなイメージです。

エフェクターの補足

アンプ以外では、BossのフランジャーやイコライザーにDunlopのCry Babyワウなどを使っていると紹介されています（参考：Equipboard）。同じ機材は次のリンクから確認できます。

＊【空間系】【BOSS（ボス）エフェクター】BF-3（フランジャー）

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まとめ

チャド・クルーガーの音作りは、「太いハムバッカーのGibson」と「Rectifier系のヘヴィなアンプ」の組み合わせが軸になっています。真似したい初心者の方は、次の2点から始めるのがおすすめです。

1. ハムバッカー搭載のレスポール系ギターを選ぶ 2. アンプは歪みを深くかけつつ、低音が膨らみすぎないように調整する

機材を全部そろえるのは大変なので、まずはギターのピックアップの種類を意識するだけでも、チャドの音に近づくヒントになります。ほかのギタリストの機材と比べたい方は、エディ・ヴァン・ヘイレンの使用機材やエリック・クラプトンの使用機材もあわせて読んでみてください。

著名アーティストの使用機材まとめ>>

EQのハイパス・ローパスって結局何？アンプのトーンノブで例えると一発で分かる

誰得ギター — Thu, 17 Sep 2026 22:00:00 +0000

DTMを始めて最初にぶつかる壁の1つが「EQ（イコライザー）」です。

プラグインを開くとグラフのような画面が出てきて、バンドをドラッグすると音がどう変わるかはなんとなくわかる。でも、その中によく出てくる「ハイパスフィルター」「ローパスフィルター」という言葉、そしてグラフの端っこにある斜めの線——これが何をしているのか、実はちゃんと説明できない。そんな人は多いはずです。

「ハイパスって高い音を通すんだよね？それとも高い音をカットするんだっけ？」「ローパスは逆？」——名前だけ見ると逆に覚えてしまいそうになる、初心者がほぼ全員一度は混乱するポイントです。

結論から言うと、この2つの仕組みはとてもシンプルです。そして、ギターやアンプを触ったことがある人なら、実は普段から近いものを操作しています。この記事では、EQの基本的な役割から、ハイパス・ローパスがそれぞれ何をカットしているのか、そして実際のミックスでどう使うのかまで、ギターの機材に例えながら一気に整理していきます。

ここが結論：EQは「音量調整を周波数ごとに行うツール」

まずEQ全体の役割を一言でまとめると、こうなります。

EQ（イコライザー）：音を「低い音」「中くらいの音」「高い音」といった帯域（周波数帯）に分けて、それぞれの音量を個別に上げたり下げたりする道具

普通のボリュームフェーダーは、曲全体・トラック全体の音量を一括で上げ下げします。それに対してEQは、「低音だけ」「中音だけ」「高音だけ」というふうに、音を細かく仕分けてから、その一部分だけの音量を操作できる——これがEQの本質です。

そしてハイパスフィルター・ローパスフィルターは、このEQの中でも特に「ある一定のラインから外側の帯域を、まるごとバッサリ削る」ための機能です。名前が似ていて紛らわしいのですが、仕組みを図解するとすぐに整理できます。

ハイパスフィルター＝「低い音をカットして、高い音を通す」

まずはハイパスフィルターから説明します。

ハイパスフィルター（High-Pass Filter、略してHPF）は、設定した周波数より低い音をカットして、高い音だけを通すフィルターです。 「ハイ（高い音）をパス（通過）させる」という意味だと考えると覚えやすいはずです。

EQのグラフで見ると、ハイパスフィルターは画面の左端（低い周波数側）から右に向かって斜めの線が立ち上がっている形をしています。この斜めの線より左側（低い方）の音は、音量がどんどん下がっていき、最終的にはほぼ聞こえなくなります。逆に、線より右側（高い方）の音は、そのままの音量で通過します。

ギターアンプで例えると：トーンノブの「トレブル寄り」の効き方

ギターを弾いたことがある人なら、アンプやエフェクターについている「トーン」ノブを回した経験があるはずです。あのノブをトレブル側（高音側）に寄せていくと、ジャキジャキした音の輪郭は残りつつ、こもったような低音の成分が削られていく感覚があります。あれが、ハイパスフィルターの動きにとても近いです。

もう少し正確に言うなら、アコースティックギター用のピエゾピックアップに搭載されている「ローカットスイッチ」がまさにハイパスフィルターそのものです。ボディの共鳴で出てしまう「ボンボン」という低い箱鳴りノイズだけを削って、弦の音の輪郭を残す——DTMのハイパスフィルターも、これと同じ発想で使います。

ローパスフィルター＝「高い音をカットして、低い音を通す」

次にローパスフィルターです。名前の通り、ハイパスとは逆の動きをします。

ローパスフィルター（Low-Pass Filter、略してLPF）は、設定した周波数より高い音をカットして、低い音だけを通すフィルターです。 こちらは「ロー（低い音）をパス（通過）させる」と覚えておけば混同しません。

EQのグラフでは、ローパスフィルターは画面の右端（高い周波数側）から左に向かって斜めの線が下がっていく形になります。この線より右側（高い方）の音がどんどん削られ、線より左側（低い方）の音はそのまま残ります。

ギターアンプで例えると：トーンノブの「バス寄り」の効き方

先ほどのトーンノブを、今度はベース側（低音側）に寄せていくとどうなるか。ジャキジャキした高音のアタック感がなくなり、音全体が丸く、もこもことした印象に変わっていくはずです。これがローパスフィルターの効き方です。

もっとイメージしやすい例で言うと、ワウペダルをかかとまで踏み込んだ状態や、ギターのボリュームノブを絞ったときに一緒に高域が削れて「モワッ」とした音になる現象も、簡易的なローパスフィルターの一種と考えると理解しやすいです。エフェクター好きな人なら、ファズペダルのトーンを絞ったときの、あの丸くこもった音を思い出してもらえれば十分です。

名前が逆に感じる人へ：覚え方のコツ

「ハイパス＝高い音を通す」「ローパス＝低い音を通す」という名前と動きの対応は、慣れるまで何度も混乱しがちです。次のように覚えると迷いにくくなります。

ハイパス（High-Pass）＝ High（高い音）をPass（通過）させる＝低い音を削る
ローパス（Low-Pass）＝ Low（低い音）をPass（通過）させる＝高い音を削る

「パスする（通す）対象の名前がフィルター名になっている」と意識すれば、「カットする対象」と名前が逆に見える違和感がなくなります。

使いどころ①：ボーカルの不要な低域をハイパスでカットする

ハイパスフィルターの、DTMで最も定番の使い方がこれです。

ボーカルを録音すると、声そのものには関係のない低い周波数のノイズがどうしても混ざります。マイクスタンドの振動、部屋の空調音、吹かれ（ポップノイズ）、あるいは単純に人の声の帯域として意味を持たない超低域の成分——これらは音楽的な情報を持たないまま、ミックス全体の低域を濁らせる原因になります。

そこで、ボーカルトラックの最初にハイパスフィルターを挿し、だいたい80Hz〜120Hz前後より下をカットしてしまいます。男性ボーカルか女性ボーカルか、声の低さによって最適な設定値は変わりますが、「声そのものの太さが失われない範囲で、できるだけ低域を削る」のが基本の考え方です。

これをやると、ベースやキックドラムが本来担当すべき低域のスペースに、ボーカルの不要な低音が割り込んでこなくなり、ミックス全体がグッとスッキリします。ギターで言えば、ベースアンプとギターアンプが同じ低域の帯域を取り合わないように、ギターアンプ側のトーンを少し高音寄りに調整して住み分けるのと同じ発想です。

同じ理由で、ギタートラックやシンセのリードトラックなど、「低域そのものが主役ではないパート」には、ハイパスフィルターをほぼルーティン作業としてかけておくミキシングエンジニアも多いです。

使いどころ②：シンセパッドの高域をローパスで削って耳に痛くない音にする

ローパスフィルターの定番の使いどころが、シンセパッド（持続音系の音色）の調整です。

シンセで作ったパッド系の音は、倍音が豊かでキラキラした高域成分をたくさん含んでいることがよくあります。単体で聴くと華やかで気持ちいいのですが、曲の中でボーカルやリードシンセ、シンバル類と一緒に鳴らすと、高域同士がぶつかり合って、耳に刺さるような痛さや、全体的な「シャリシャリ感」の原因になります。

ここでパッドのトラックにローパスフィルターをかけ、高域の一部を丸く削ってあげると、パッドは主張しすぎない「背景の響き」として馴染みやすくなり、リードパートやボーカルの高域がしっかり前に出てくるようになります。

さらに、シンセの音作りにおいては、ローパスフィルターのカットオフ（どこから削るか）をゆっくり動かして、音が徐々に明るくなっていく・暗くなっていく変化を作る「フィルタースイープ」というテクニックもよく使われます。イントロで音がじわじわ開けていくような演出は、多くの場合このローパスフィルターの動きによって作られています。ギターで言えば、ワウペダルをゆっくり踏み込んで音色を変化させる感覚に近いものがあります。

カットの「急さ」を決めるスロープという考え方

ハイパス・ローパスにはもう1つ、初心者が見落としがちな設定項目があります。それが「スロープ」（傾き）です。

EQのグラフで見た、あの斜めの線の角度を決めるのがスロープです。角度が緩やかであれば、設定した周波数のあたりからじわじわと削れていきます。角度が急であれば、設定した周波数を境に、かなりハッキリと音がバッサリ削られます。

多くのプラグインでは「6dB/oct」「12dB/oct」「24dB/oct」といった数値で表示されます。数字が大きいほど、カットの角度が急になる（＝より正確に境界線を引ける）と考えておけば十分です。

緩やかなスロープ：自然でナチュラルな仕上がりにしたいとき向け。カットしていることに気づかれにくい
急なスロープ：不要な帯域をはっきり削り切りたいとき向け。ハウリング対策や、明確にレンジを絞りたい場面で活躍

ボーカルの低域処理のように「音楽的な部分は残しつつ、不要な部分だけを静かに削りたい」場面では緩やかなスロープ、逆に「ここから下（上）は完全に不要」と言い切れる場面では急なスロープ、というふうに使い分けると失敗が減ります。最初のうちは、プラグインのデフォルト設定のまま、カットオフの周波数だけを耳で確認しながら動かす練習から始めれば十分です。

ハイパスとローパスを両方使うと「バンドパス」になる

ハイパスフィルターとローパスフィルターは、実は組み合わせて使うこともよくあります。低い方をハイパスでカットし、高い方をローパスでカットすると、真ん中の帯域だけが残る状態になります。これを「バンドパスフィルター」と呼びます。

わかりやすい例が、ラジオやスマホの内蔵スピーカーから流れてくる、あの少しこもって、かつ低音もスカスカな音です。低域も高域も両方削られて、中域だけが強調された、あの独特のサウンドはバンドパスフィルターによって作られています。曲の中で「昔のラジオから流れてきたような音」を演出したいときに、あえてこのバンドパス処理を使うテクニックも定番です。

ギターで言えば、シングルコイルピックアップのブリッジ側で弾いたときの、あの中域が前に出た「ツインツイン」とした音色をイメージすると近いかもしれません。低音も高音も欲張らず、中域の存在感だけで勝負する音作りです。

実際のミックス作業の流れ

ここまでの話を踏まえて、実際の作業手順をまとめておきます。

1. トラックごとに、まず不要な低域・高域がないか耳で確認する。ソロで聴くのではなく、他のトラックと一緒に鳴らした状態で「この帯域、本当に必要か？」と考える 2. ハイパスフィルターをかけながら、カットオフをゆっくり上げていく。音の太さが失われ始める直前のポイントで止める 3. ローパスフィルターが必要な音色（パッド・バッキング楽器など）には、同じ要領でカットオフを下げながら調整する 4. スロープの角度を必要に応じて調整する。まずは緩やかな設定から試し、削り切れていないと感じたら急な設定に変える

なお、EQはボリュームやパンと同じく「静的なエフェクト」に分類され、信号チェーンの中でどこに置いても基本的な結果は変わらないという考え方があります。ただし歪み系（サチュレーション）と組み合わせる場合は、EQを先に置くかサチュレーションを先に置くかで音の暴れ方が変わってくるため、サチュレーションって結局何をしているの？ギターの歪みで例えると分かりやすいもあわせて読んでおくと、歪み系との組み合わせ方の理解が深まります。

エフェクト基礎シリーズとしても押さえておきたい関連知識

EQのハイパス・ローパスは、あくまで「音を削る」処理です。逆に「音を揺らす・広げる」タイプのエフェクトについては、コーラス・フランジャー・フェイザーの違いが分からない人へ。3つの「揺れ系」エフェクトを仕組みで整理すると迷わなくなるで解説しています。EQで土台となる周波数バランスを整えてから、揺れ系のエフェクトで彩りを足す、という順番で考えると、エフェクト全体の役割分担がイメージしやすくなります。

また、EQで不要な帯域を削り、音圧を最終的にまとめる段階まで進むと、今度は「マキシマイザー」「リミッター」といった、ミックスの最終段階を担当するエフェクトの話につながっていきます。この2つの違いについては、曲の音圧を上げたら音割れが怖くなった人へ。マキシマイザーとリミッターの違いをアンプのマスターボリュームで例えると迷わなくなるで詳しく解説しているので、ミックスの最終仕上げまで見据えて勉強したい人はあわせて読んでみてください。

EQの仕組みそのものについて、もう少し専門的な視点から知りたい場合は、Wikipediaのハイパスフィルタの解説ページも参考になります。電気回路としての原理まで踏み込んで書かれていますが、「境界となる周波数（カットオフ周波数）を境に信号を通す・通さないを決める」という基本の考え方は、DTMのEQでも共通しています。

まとめ

最後に、この記事のポイントを整理しておきます。

EQは「音を周波数帯ごとに分けて、部分的に音量を上げ下げする」道具
ハイパスフィルターは「低い音をカットして、高い音を通す」。ギターアンプのトーンをトレブル寄りにする効き方に近い
ローパスフィルターは「高い音をカットして、低い音を通す」。トーンをベース寄りにしたときの丸くこもった音に近い
覚え方は「パスする（通す）対象の名前がそのままフィルター名になっている」
ボーカルの不要な低域をハイパスでカットすると、ベース・キックとぶつからずミックスがスッキリする
シンセパッドの高域をローパスで削ると、耳に痛くない・背景に馴染む音になる
スロープ（カットの急さ）は、自然に削りたいなら緩やかに、はっきり削り切りたいなら急に設定する
ハイパスとローパスを両方使うと、中域だけを残す「バンドパスフィルター」になる

ハイパスもローパスも、名前だけ見ると混乱しやすい機能ですが、動き自体はアンプのトーンノブと同じくらいシンプルです。まずは適当なトラックにハイパスフィルターを挿して、カットオフをゆっくり動かしながら、音がどう変わっていくかを耳で確認するところから始めてみてください。理屈より先に、耳で「あ、これがハイパスの音か」と体感してしまうのが、いちばんの近道です。

スラッシュメタルって結局何なの？聴くべき名盤とあわせて解説

誰得ギター — Thu, 17 Sep 2026 20:00:00 +0000

「スラッシュメタル」という言葉、メタル好きなら一度は耳にしたことがあると思います。とにかく速い、とにかく歪んでいる、ボーカルは叫んでいる……くらいのイメージはあるけど、ハードロックやパンクとの違いを説明しようとすると意外と言葉に詰まる。しかも調べてみると「イギリス発祥」と書いてある記事もあれば「アメリカ発祥」と書いてある記事もあって、余計にややこしくなってきます。

この記事では、スラッシュメタルというジャンルがどこでどう生まれて、どんな特徴を持っているのかを整理したうえで、「とりあえずこれだけ聴いておけば背骨は掴める」という名盤を紹介していきます。いわゆる「Big 4」と呼ばれる4バンドを中心に据えているので、これから聴き始める人はもちろん、名前は知っているけどちゃんと聴いたことがないという人にもおすすめです。

スラッシュメタルを知るならこれだけ聴いておけばOK！名盤4選

先に結論から。スラッシュメタルの背骨を掴みたいなら、以下の4枚を聴くのが一番の近道です。どれも「Big 4」と呼ばれるアメリカの代表的スラッシュメタルバンド、Metallica・Slayer・Megadeth・Anthraxの代表作で、ジャンルの歴史を語るうえで避けて通れない作品ばかりです。

バンド	アルバム	発売年	ひとことポイント
Metallica	『Master of Puppets』	1986年	スラッシュメタルを様式美にまで高めた金字塔。緻密な構成美が魅力
Slayer	『Reign in Blood』	1986年	全10曲29分の暴力性。ジャンル最速・最凶と名高い一枚
Megadeth	『Rust in Peace』	1990年	テクニカルな演奏の応酬。ギタリストの超絶技巧を聴くならここ
Anthrax	『Among the Living』	1987年	ノリの良いグルーヴとパンク由来のエネルギーが同居する一枚

この4枚を聴けば、スラッシュメタルという括りの中にどれだけ幅があるかが体感できるはずです。次の章から、まずはスラッシュメタルというジャンルそのものの成り立ちを整理していきます。

そもそもスラッシュメタルってどんなジャンル？成り立ちと特徴

イギリスのNWOBHMとアメリカのハードコアパンクが合流した音楽

スラッシュメタルは、1970年代末〜1980年代初頭にイギリスで巻き起こった「NWOBHM（ニューウェイブ・オブ・ブリティッシュ・ヘヴィメタル）」の影響と、アメリカのハードコアパンクの影響が合流して生まれたジャンルです。NWOBHM側からはVenomやMotörheadのような攻撃的なバンドの疾走感、パンク側からはDischargeやMinor Threatのような性急なリズムとDIY精神が持ち込まれ、それらがヘヴィメタルの様式と混ざり合うことで、1983年ごろまでには「ハードコアとメタルを融合させたジャンル」としての輪郭がはっきりしてきます。

誕生のきっかけには諸説ありますが、Metallicaがコンピレーションアルバム『Metal Massacre』（1981年）に「Hit the Lights」を提供したことを起点とする見方がよく挙げられます。

アメリカ西海岸「ベイエリア」で花開いたシーン

スラッシュメタルが一大ジャンルとして花開いたのは、アメリカ西海岸・サンフランシスコ周辺の「ベイエリア」と呼ばれる地域でした。1980年代初頭のベイエリアには、後にMetallicaへ加入するギタリスト、カーク・ハメットがそれ以前に結成していたExodusや、後にTestamentとなるLegacyなど、シーンの土台を支えたバンドが数多く存在しました。この時期のベイエリア勢は、いずれもNWOBHMや初期パンク・ロックからの影響を色濃く受けているのが特徴です。

Kirk Hammettがどんなギター・アンプ・エフェクターを使ってあの轟音を鳴らしているか気になった人は、カーク・ハメットの使用機材まとめで詳しく紹介しているので、あわせてチェックしてみてください。

「Big 4」の確立とジャンルの広がり

ベイエリア発のMetallica・Slayer・Megadeth・Anthrax（Megadethは結成の経緯からロサンゼルス色も強いバンドです）は、1980年代を通じてそれぞれ独自の方向性でスラッシュメタルを進化させ、後に「Big 4」と呼ばれるようになります。2010年代以降は共演イベントも開催されるようになり、この呼び名は今やジャンルを代表する固有名詞として定着しています。

ちなみに1990年代に入ると、スラッシュメタルの攻撃性やディストーションサウンドは、シアトル発のグランジのような別のロック/メタル系ジャンルとも地続きの空気感を持つようになっていきます。時代的に隣接するジャンルとして聴き比べてみるのも面白いです。

演奏面の特徴：高速ピッキング・パワーコード・シャウトボーカル

スラッシュメタルを音楽的に特徴づけている要素は、大きく3つに整理できます。

高速のオルタネイトピッキング：ダウンとアップを目まぐるしく往復させる速弾きリフが基本。曲によってはBPM200近くまで駆け抜けます
パワーコード中心の刻み：ルートと5度だけで構成されたシンプルな和音を、高速かつタイトに刻み続けることで攻撃性を生み出します
シャウト気味のボーカル：クリーンに歌い上げるというより、叫ぶ・吐き出すように歌うスタイルが主流。歌詞のテーマも戦争・宗教・社会批判など攻撃的なものが多い傾向にあります

このギリギリまで歪ませたギターサウンドがどう作られているのか気になった人は、サチュレーションって結局何をしているの？の記事でギターの歪みに例えながら仕組みを解説しているので、DTMで再現してみたい人はあわせてどうぞ。

名盤を1枚ずつ深掘りしてみる

ここからは、先ほど紹介したBig 4の名盤を1枚ずつ掘り下げていきます。それぞれ「なぜ重要なのか」「何を聴けばそのアルバムの凄さが分かるのか」を意識してまとめました。

Metallica『Master of Puppets』(1986)

1986年3月3日発売、Metallicaの3rdアルバム。「Battery」「Master of Puppets」「Welcome Home (Sanitarium)」「Disposable Heroes」「Leper Messiah」など、8分近い大曲を含みながらも一切ダレない構成力が最大の魅力です。ベーシストのクリフ・バートンが在籍した最後のアルバムでもあり、メジャーレーベル移籍後初の作品という節目でもありました。

単なる速さや荒々しさだけでなく、曲展開の緻密さと様式美でスラッシュメタルを一段引き上げた一枚として、今なおジャンルの最高傑作の一つに挙げられています。

Slayer『Reign in Blood』(1986)

1986年10月20日発売、Slayerの3rdアルバム。全10曲でトータル29分というコンパクトさながら、オープニングの「Angel of Death」から最終曲「Raining Blood」まで、一切息をつかせない密度で駆け抜けます。「Raining Blood」はエンディングがロックド・グルーヴ（針が飛び続けるような無限ループ仕様）になっているという遊び心も見どころです。

――個人的には、スラッシュメタルの「速さ・攻撃性・容赦のなさ」という側面を突き詰めた頂点がこの一枚だと思っています。プロデューサーにリック・ルービンを迎え、無駄を削ぎ落とした結果、ジャンル史上でも屈指の完成度に仕上がりました。

Megadeth『Rust in Peace』(1990)

1990年9月24日発売、Megadethの4thアルバム。「Holy Wars… The Punishment Due」「Hangar 18」「Tornado of Souls」など、テクニカルな速弾きとめまぐるしい曲展開が詰め込まれた作品です。デイヴ・ムステインを中心に、超絶技巧のギタリスト・ベーシストが揃ったこの時期のラインナップは「歴代最強編成」とも評されます。

速いだけでなく「弾ける人が聴いても唸る」精度の高さがあるので、ギターを弾く人ほど発見の多い一枚だと思います。

Anthrax『Among the Living』(1987)

1987年発売、Anthraxの3rdアルバム。「Among the Living」「Caught in a Mosh」「I Am the Law」「Indians」など、パンク由来のノリの良さとグルーヴ感が前面に出ているのが特徴です。他の3バンドと比べるとやや明るく、モッシュピット（ライブでのぶつかり合うダンス）を前提にしたようなキャッチーさがあります。

同じスラッシュメタルでも「暗く攻撃的」一辺倒ではなく、こういうノリの良さで魅せるバンドがいるというのは、このジャンルの懐の広さを物語っていると思います。

まとめ

スラッシュメタルは、イギリス発のNWOBHMとアメリカのハードコアパンクが合流し、サンフランシスコ・ベイエリアを中心に花開いたジャンルです。Metallica・Slayer・Megadeth・Anthraxという「Big 4」が、それぞれ違う方向性でこのジャンルを進化させてきたからこそ、今のスラッシュメタルには「様式美」「暴力性」「超絶技巧」「グルーヴ」という多様な魅力が同居しています。

今回紹介した4枚を聴き比べていくと、「速くて歪んでいるだけの音楽」というイメージだけでは括れない、スラッシュメタルというジャンルの幅の広さがきっと見えてくるはずです。まずは気になった1枚から、実際に聴いてみてください。

詳しいジャンルの成り立ちについては、ベイエリア・スラッシュメタルのWikipedia解説や、NWOBHMのWikipedia解説もあわせて参照すると、より理解が深まります。

カッティングするとリズムがヨレる人へ。ファンク系リズムギターの右手・左手を徹底解説

誰得ギター — Thu, 17 Sep 2026 18:00:00 +0000

カッティングって、耳で聴いている分にはすごく気持ちいいのに、いざ自分でやってみるとビックリするくらいうまくいかない奏法ですよね。「ジャカッ」というキレのいい音が出したいだけなのに、気づけばリズムがヨレていたり、音の粒がバラバラだったり。

コードを弾くこと自体は難しくないのに、なぜかカッティングになった途端に破綻する――そんな人は多いはずです。実はこれ、コードフォームの問題ではなく、右手と左手の「ミュート」の使い方が整理できていないことが原因であるケースがほとんどです。

この記事では、カッティングでつまずきやすいポイントを疑問形式で1つずつ拾いながら、右手のゴーストストローク・ブラッシング、16分音符のリズムの取り方、左手のミュートのコツまで順番に整理していきます。

Q. そもそもカッティングって、普通のコードストロークと何が違うの？

A. 一番の違いは、「鳴らす音」と「鳴らさない音（ミュートした音）」を右手のストロークの中に混在させていることです。

普通のコードストロークは、基本的に「ジャーン」と全部の音を鳴らし続けます。一方カッティングは、右手は途切れず一定のリズムで動き続けているのに、左手や右手のミュートによって「鳴る瞬間」と「鳴らない瞬間」を意図的に作り出しています。

この「鳴らない瞬間」に出る、ノイズっぽい「チャッ」という音がPremier Guitarでも解説されている「ゴーストノート」と呼ばれるもので、これこそがカッティングを気持ちよく聴かせている正体です。音を鳴らすことよりも、鳴らさない部分をどうコントロールするかのほうが、実はカッティング上達のカギになります。

コードフォーム自体はパワーコードを弾くときと同じように、無理なく押さえられる形であれば十分です。特別に難しいフォームを覚える必要はありません。

Q. リズムがヨレるのはなぜ?右手はどう動かせばいいの?

A. 一番多い原因は、鳴らす音のタイミングだけを狙って右手を動かしてしまっていることです。

カッティングの右手は、鳴らす・鳴らさないに関係なく、常に一定のダウン・アップの往復運動を続けるのが基本です。ちょうどオルタネイトピッキングで一定の往復運動を保つのと同じ考え方で、鳴らしたい16分音符のタイミングだけ狙って手を止めたり動かしたりすると、どうしても手の動きが不規則になり、結果としてリズム全体がヨレてしまいます。

具体的には、右手を弦の少し上でずっと振り続けておき、鳴らしたいタイミングでは弦に当てて弾き、鳴らしたくないタイミングでは弦の上を素通りさせる（もしくは軽く触れるだけにする）、というイメージです。この「止めずに振り続ける」感覚が身につくと、ヨレは自然と減っていきます。

Q. 「ゴーストストローク」「ブラッシング」って具体的に何が違うの?

A. どちらも「音程のない、ミュートされた音」を出す動きですが、狙いが少し異なります。

ゴーストストローク：右手のピッキング自体は普段の弾き方と同じですが、弦を弾く瞬間に音程が鳴らない（左手でミュートされている）状態で弾く動きです。ストロークの往復運動を止めずに、リズムの「間」を埋める役割があります
ブラッシング：ピックや指の腹で弦全体を軽くこすって、パーカッシブな「シャッ」というノイズを出す動きです。ゴーストストロークよりもさらに音程感を消して、打楽器的な質感を強めたいときに使います

どちらも「弦に触れているけど音程は聞こえない」という点は共通していて、この鳴らない音を等間隔で挟み込むことで、カッティング特有の「ジャカジャカ」という密度のあるリズムが生まれます。慣れないうちは、この2つを厳密に使い分けようとせず、「ミュートした状態で普段どおり弾く」という感覚から練習を始めれば十分です。

Q. 音がバラつくのは、右手と左手どっちが原因?

A. 右手の弾く強さ・角度のブレも原因になりますが、多くの場合は左手のミュートのオン・オフが不安定なことが主な原因です。

カッティングでは、コードフォームを崩さずに、指の力を抜くだけで弦をミュート状態にする必要があります。このとき、フォームを崩して弦から指を離してしまったり、逆に力を抜ききれずに中途半端に音程が鳴ってしまったりすると、鳴らしたい音と鳴らしたくない音の差がはっきりせず、聴いた印象として「音がバラついている」ように聞こえてしまいます。

次の項目で左手の具体的な動かし方を解説します。

Q. 左手のミュートはどうやって力を抜けばいいの?

A. コツは、コードフォームの形はそのままキープしながら、フレットを押さえる圧力だけを緩めることです。

具体的な手順はこうです。

1. まずいつも通りコードをしっかり押さえて、クリアな音が鳴ることを確認する 2. 指の形・配置はそのままの状態で、フレットに触れるか触れないかくらいまで力を抜く 3. その状態で右手で弦を弾くと、音程のない「カッ」というミュート音が出る 4. 再び軽く圧力をかけて押さえ直すと、元のクリアな音に戻る

この「押さえる⇔緩める」を、コードチェンジのように指をフレットボードから完全に離さずに、その場で圧力だけを上下させるイメージで繰り返します。指を弦から浮かせてしまうと、ミュートに切り替わるまでのタイムラグが大きくなり、リズムがヨレる原因になるので注意が必要です。

慣れないうちは、コードを鳴らした状態からゆっくり力を抜いていき、「ここまで抜くとミュートになる」という圧力の境目を手の感覚で覚えていくのがおすすめです。この感覚はオルタネイトピッキングのフォーム作りと同様、頭で理解するより体に覚えさせる部分が大きい技術です。

Q. 16分音符のリズムがうまく取れません。何から練習すればいい?

A. いきなりコードを鳴らそうとせず、まずは音を鳴らさずに右手だけで16分音符を刻む練習から始めるのがおすすめです。

1. ミュートだけで16分を刻む：左手はコードフォームのままずっと軽く触れる程度の力にしておき、右手だけを「ダウン・アップ・ダウン・アップ」と一定に動かし続けて、ゴーストストロークだけで16分音符のリズムをキープする 2. 1拍に1音だけ開ける：4つの16分音符のうち、1拍目の頭だけ左手に力を入れてコードを鳴らし、残りはミュートのまま流す 3. 鳴らす位置を変えていく：慣れてきたら、2つ目・3つ目・4つ目の16分音符を鳴らすパターンに変えて、どのタイミングでも均等に音を出せるようにする 4. メトロノームで確認する：ゆっくりのテンポから始めて、右手の往復運動が崩れていないかを耳で確認しながら少しずつ速くする

ポイントは、鳴らす音の数を増やすことよりも先に、右手の往復運動そのものを崩さずキープできる状態を作ることです。焦って複雑なリズムパターンに挑戦するより、シンプルなパターンを正確に刻めるようになるほうが、結果的に上達が早くなります。

Q. ファンク系のギタリストって、具体的にどんな特徴があるの?

A. ファンク系カッティングの代名詞としてよく名前が挙がるのが、Chic（シック）のナイル・ロジャース（Nile Rodgers）です。

彼のカッティングは「チャック（Chuck）」と呼ばれる独自のスタイルで知られていて、Premier Guitarによると、右手はほぼ常に16分音符で振り続け、左手がそのうちのどの音を「鳴らす（オープン)」にしてどの音を「ミュート（チョーク)」にするかをコントロールする、という考え方が特徴だと紹介されています。つまり、ここまで解説してきた「右手は止めずに振り続け、左手で音の開閉をコントロールする」という基本の考え方を、極限まで突き詰めたスタイルだと言われています。

もう1人、ファンクギターの源流としてよく紹介されるのがジェームス・ブラウンのバンドで活躍したジミー・ノーレン（Jimmy Nolen）です。同じくPremier Guitarの記事では、彼の16分音符主体のスクラッチーなスタッカート奏法が、後のポピュラー音楽に欠かせない基礎になったと紹介されています。

いずれも「たくさん音を詰め込む」のではなく、どこを鳴らしてどこを鳴らさないかの引き算で、グルーヴを作っているという点は共通しています。カッティングの練習に煮詰まったら、こうした音源を「今、右手はずっと動いているはずだ」という前提で聴き直してみると、耳の解像度が上がっていくはずです。

Q. コードを変えながらカッティングすると、途端にできなくなります

A. これは、ミュートのタイミングとコードチェンジのタイミングが重なって、両方に気を取られてしまっているのが原因であることがほとんどです。

対策としては、コードチェンジの練習とカッティングのリズム練習を、いったん分けて考えるのがおすすめです。

まずコードチェンジだけを、ミュートなしの普通のストロークで、スムーズにできるようにする
次に、1つのコードだけでカッティングのリズムパターンを体に覚え込ませる
最後に、コードチェンジのタイミングを「ミュート（ゴーストストローク）のタイミング」に合わせる

特に3つ目が重要で、コードを切り替える瞬間は、鳴っている音を切り替えるのではなく、ミュートしている（音が鳴っていない）タイミングでこっそり指の形を変えてしまうのがコツです。ミュートの瞬間は耳に聞こえる情報が少ないため、多少もたついてもリズムの破綻として聴こえにくく、結果として滑らかなコードチェンジに聴こえます。

まとめ

カッティングでリズムがヨレたり音がバラついたりする原因は、コードフォームそのものよりも、右手と左手のミュートのコントロールにあることがほとんどです。

右手は鳴らす・鳴らさないに関係なく、一定の往復運動を止めずに振り続ける
ゴーストストローク・ブラッシングで「鳴らない音」を作り、リズムの密度を埋める
左手はコードフォームをキープしたまま、圧力だけを抜き差ししてミュートを切り替える
練習はミュートだけの16分音符キープから始め、鳴らす音を少しずつ増やしていく
コードチェンジはミュートのタイミングに合わせるとスムーズになる

ナイル・ロジャースのように右手を常に動かし続けるスタイルは、突き詰めれば奥が深い世界ですが、基本の考え方はシンプルです。まずは音を鳴らさずに、右手のミュートだけで16分音符を一定に刻めるようになることから、気負わずに始めてみてください。

エディ・ヴァン・ヘイレンの使用機材まとめ｜自作フランケンシュタインとタッピング奏法が生んだVan Halenのサウンド

誰得ギター — Thu, 17 Sep 2026 16:00:00 +0000

1970年代半ば、無名のバンドマンだったエディ・ヴァン・ヘイレン（Eddie Van Halen）は、お金に余裕がなかった。欲しいギターの音は「フェンダーの弾きやすいネック」と「ギブソンの太いハムバッカーの音」を両方兼ね備えたものだったが、そんな都合のいいギターはどこにも売っていない。それなら自分で作ればいい。中古のアルダーボディ、フェンダー風のネック、知人のギターから外したギブソンのハムバッカーを1個、そしてパーツ屋で見つけた安価なパーツを寄せ集め、赤・黒・白のペンキを大胆に塗り重ねて1本のギターを組み上げた。これが、のちに「フランケンシュタイン（通称：フランケンストラト）」と呼ばれることになる、ロック史上もっとも有名な自作ギターの誕生である（参考：Wikipedia「Frankenstrat」）。

そして1978年、Van Halenのデビューアルバムに収録された「Eruption」で、このギターを抱えたエディはある奏法を世に見せつけた。左手だけでなく右手の指板まで使い、まるでピアノを弾くように音を紡ぐ「ライトハンド奏法（タッピング）」だ。わずか1分半ほどのこのインストゥルメンタル曲は、世界中のギタリストに衝撃を与え、以後のロックギターの表現の幅を大きく広げることになった。今回は、そんなエディ・ヴァン・ヘイレンが実際に使ってきたギター・アンプ・エフェクターを、この2つのエピソードを軸にまとめて紹介する。

ギター：自作フランケンシュタインから、後継機EVH Wolfgangまで

フランケンシュタインは完成後も改造が繰り返された。当初載せていたギブソンのハムバッカーは、1981年頃にSeymour Duncanのハムバッカーへ交換されたと言われており、トレモロユニットもフロイドローズへ換装されるなど、常に「その時いちばんいい音が出る形」へアップデートされ続けた個体だ（参考：Equipboard「The EVH Frankenstrat Revolution」）。1980年代には自身のブランド用にKramerとも協業し、「Kramer 5150」と呼ばれるモデルをステージで使用していた時期もある。ただしエディ自身は、Kramerが市販していた「Barettaモデル」について「自分とは無関係だった」と語っており、実際にエディが弾いていたギターと市販シグネチャーモデルの間には食い違いがあったという逸話も残っている（参考：Wikipedia「Kramer Baretta」）。

1980年代半ばには、Steinbergerのヘッドレスギター「GL-2T」にも傾倒した時期があった。開発者ネッド・スタインバーガーとともにトレモロユニット「TransTrem」の開発にも意見を出していたとされ、「Summer Nights」のミュージックビデオでは、自身のアートワークをあしらったスタインバーガーが印象的に使われている（参考：Guitar Player）。

2005年にFender傘下で自身のブランド「EVH」を立ち上げてからは、フランケンシュタインの設計思想を受け継いだEVH Wolfgangシリーズが後継機となった。バスウッドボディにメイプルトップ、クォーターソウンメイプルネック、専用設計のWolfgangハムバッカー2基、そしてフロイドローズ系ブリッジという構成で、息子ウルフギャングの名を冠したこのモデルは、現在もエディのサウンドを再現したいギタリストの定番になっている。上位モデルのEVH Wolfgang USAはUSA製の高級ラインで、より手の届きやすい価格帯には量産モデルのEVH Wolfgang WG Standardもラインナップされている。フランケンシュタインそのもののレプリカとしては、ストライプ柄をそのまま再現したEVH Striped Seriesも選択肢に挙がる。

なお、同じくハードロック／メタル系でタッピングを多用するギタリストとしては、カーク・ハメットも知られている。ESPシグネチャーとヴィンテージ・レスポールを使い分けるハメットとは対照的に、エディは1本の自作ギターを弾き込み、必要に応じて自分で改造していくスタイルだった点が大きな違いだ。

アンプ：改造マーシャルの「ブラウンサウンド」から、Peavey・EVH 5150へ

エディの音作りの核心は、実はギターよりもアンプにあると言われている。初期Van Halenの分厚い歪みは、1967〜68年製のMarshall Super Lead（通称「1959」）のヘッドを改造し、電圧を落とすための「バリアック（可変電圧トランス）」を通して88〜140V程度まで電圧を下げつつ、ゲインを目一杯まで上げるという特殊な使い方で作られていたとされる。この独特なセッティングは「ブラウンサウンド」と呼ばれ、Van Halenの初期6枚のアルバムを支えたサウンドの土台になった（参考：Uber Pro Audio）。電圧を落として真空管を無理やり歪ませるこの手法は今では定番のテクニックの一つになっているが、当時はエディ自身が試行錯誤の末にたどり着いたものだったという。

その後のキャリアでは、Peavey社と協業してシグネチャーアンプ「Peavey 5150」を開発。ハイゲインアンプの定番として今も語り継がれる名機となった。そして2005年にEVHブランドを立ち上げてからは、その設計思想を受け継いだ「EVH 5150」シリーズへと軸足を移していく。現行ラインでは、コンパクトなEVH 5150III 50W ヘッドや、エントリー向けに開発されたEVH 5150 ICONIC 80W ヘッドなどが手に入りやすい選択肢だ。改造マーシャルの「電圧を落として歪ませる」というアイデアが、最終的に自分の名を冠したアンプへと結実していったのが、エディのアンプ選びの大きな流れと言える。

エフェクター：フランジャーとフェイザーで作る「揺れ」の演出

エディはディストーション系のペダルをほとんど使わず、歪みはあくまでアンプ本体で作るタイプのギタリストだった。その代わりに存在感を放っていたのが、フランジャーとフェイザーだ。「Eruption」に続く「Ain’t Talkin’ ‘Bout Love」「Atomic Punk」といった初期の楽曲ではMXR Phase 90によるうねりが効果的に使われており、後年Dunlop／MXRと共同でリファインしたMXR EVH90 Phase-90として製品化されている。

もう一つの代名詞的なエフェクトがフランジャーだ。MXRの「117 Flanger」は初期Van Halenサウンドに欠かせないペダルとされ、こちらもエディ監修のシグネチャーモデルMXR EVH117 Flangerとして現在も販売されている。通常のマニュアル・ワイド・スピードのコントロールに加え、EVHスイッチを踏むとよりジェット機のような極端なサウンドに切り替わるのが特徴だ。このほか、ライブ音源では6バンドEQやMaestro Echoplex、Univoxのテープエコーなどをボード上に組み込み、曲によって薄く空間系を足していたと紹介されている（参考：Guitar World）。歪みそのものはシンプルに保ちつつ、フランジャーとフェイザーの「揺れ」で楽曲ごとの表情を変える、というのがエディのエフェクター使いの基本方針だったようだ。

ライトハンド奏法（タッピング）の代名詞的存在

エディ・ヴァン・ヘイレン以前にもタッピングを使うギタリストは存在していたと言われているが、「Eruption」のインパクトによって、この奏法を世界中に知らしめた張本人として真っ先に名前が挙がるのはやはりエディだ。右手の人差し指や中指で指板をタップし、左手のハンマリング・プリングと組み合わせることで、通常のピッキングでは出せない速いフレーズや、ピアノのような滑らかなアルペジオを生み出す。この奏法は以後、ヴァン・ヘイレン・チルドレンと呼ばれる多くのギタリストに継承され、ハードロック・メタルのソロにおける定番テクニックの一つになった。EVHの代名詞的奏法について詳しくは、タッピング奏法の解説記事で基本フォームや練習法を紹介しているので、あわせて確認してみてほしい。

なお、同じくハードロック／ハードロック・レジェンドとして語られることが多いギタリストにスラッシュ（Guns N’ Roses）がいる。トップハットとレスポールで知られるスラッシュのブルースロック寄りの太い音作りに対し、エディは自作ギターと改造アンプで「歪みそのものを設計する」タイプだった、という対比で聴き比べてみるのも面白い。

まとめ

エディ・ヴァン・ヘイレンの音作りは、「既製品を組み合わせて理想の音を自分で作る」という発想が一貫している。パーツを寄せ集めたフランケンシュタイン、電圧を落として無理やり歪ませた改造マーシャル、そして最終的にPeavey・EVHという自身のブランドへと発展していったアンプの系譜は、どれも「今ある機材でどこまで理想の音に近づけるか」を突き詰めた結果と言われている。

フランケンシュタインそのものを再現するのは難しくても、「歪みはアンプで作り、揺れ系エフェクトで表情を足す」という考え方や、タッピングという奏法そのものは、今の機材でも十分に再現できる。まずは手元のギターとフェイザー・フランジャーの組み合わせから、エディっぽさを探ってみるのはどうだろうか。

本記事の機材情報は各種インタビュー・レビューサイトの情報を参考にしています。エディ・ヴァン・ヘイレンの機材構成は時期やライブによって変化しており、断定できない部分は「〜と言われている」という表現にとどめています。最新の情報は公式サイトや各種Rig Rundown記事もあわせてご確認ください。

「バンドリ2ndシーズ Happy Party!」の動画を見るには？

誰得ギター — Wed, 13 Mar 2019 18:29:17 +0000

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「バンドリ2ndシーズン」 1話「Happy Party!」あらすじ（ネタバレアリ）

誰得ギター

1話はシーズン1のバンドリを見ていない人でも大体の流れがわかるように
いままでの振り返りで登場バンドの総出演とこれから出てくる新メンバーのお披露目会です。

香澄たちは高校2年生に進級していた。
香澄の妹・戸山明日香は進学校の羽丘女子学園高等部に進学した。

二人は途中まで一緒に登校する。

明日香は入学式の挨拶やクラスにいる先輩たちの発言を見て「はいるところ間違えたかな」とぼやく。
教室に入ろうとすると後ろからプリントをもった朝日六花がぶつかってプリントを落としてしまう。
朝日六花と明日香の出会いのシーンだった。

花咲川女子学園ではポッピンパーティーの市ヶ谷有咲が生徒会に入っていた。
生徒会室で香澄は白金燐子や市ヶ谷有咲がどうして生徒会に入ったのかの経緯を聞くことになる。

市ヶ谷有咲と香澄は有咲の家にある練習蔵へ行く。
家に帰った香澄は明日香の学校の状況を聞く。

翌日、香澄たちは進級後のクラス分け表を見ていた。
ポッピンパーティーでは花園たえのみEクラスになってしまう。

香澄たちは放課後練習蔵へ集まるが夜遅くなってから有咲が生徒会の仕事を終えてやってくる。
帰宅時間になってしまったので帰ろうとすると有咲は皆についていく。

ポッピンパーティーメンバー5人が並んで歩いていると
「みんなが集まるのは久しぶりだね」とバンドの話になり、「みんなでライブしたいな」という話になる。

5人の前に朝日六花が現れ「ギャラクシーのライブに出てもらえませんか？」と香澄の手を握りお願いをする。

ライブハウス「ギャラクシー」ではリニューアルオープンのライブをしていた。
リニューアルオープンライブにはポッピンパーティーの関連バンドが出演することになり、
Afterglow,ハローハッピーワールド、ロゼリア、ポッピンパーティーの順番でライブが行われる。

ライブ終了後、ロゼリアの湊友希那が「来月主催ライブをやるわ」と告知。
告知に影響された香澄は「ポッピンパーティーライブやります」と無計画に発言してしまう。

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「バンドリ2ndシーズン」 2話「黒き咆哮」あらすじ（ネタバレアリ）

ギャラクシーのライブで、主催ライブをすることを宣言したPoppin’Partyは、何も分からないまま準備を始めようとする。そんななか、Roseliaの氷川紗夜に教えを乞う有咲は、Roseliaの主催ライブに誘ってもらい…。

登校してきた宇田川あこは教室にいる朝日六花と戸山明日香に挨拶をする。
朝日六花はこの前のライブの写真が出来たと宇田川あこへ写真を見せる。

宇田川あこは「先週ギャラクシーってライブハウスでライブしたんだ。ポピパもいたよ」と
戸山明日香へ伝える。
戸山明日香が写真を覗き込むと「あ、お姉ちゃんだ」というとポピパのファンの朝日六花は驚く。

ポピパのメンバーは昼休みに集まり中庭で昼食を取る。
「主催ライブって何やるの？」
「主催ライブはなんでも自分たちで決める」とポピパの主催ライブに何をやるのかを妄想していく。

生徒会室へ戻った市ヶ谷有咲はロゼリアの上級生二人が眠そうなのをみて声をかけると
主催ライブの準備で忙しいことを知る。

市ヶ谷有咲は氷川紗夜から主催ライブの準備に何が必要なのかを聞く。
・メンバー同士の企画内容の精査
・どの程度お客さんが入るか、どんなライブをするか自己分析と目標決め
・場所決め
・ライブ会場のスタッフとの交渉・予約
・ゲストバンドの出演交渉
・チケットのノルマ配分打ち合わせ
・タイムテーブルの制作
・チケット、チラシ作成、チケット金額の設定
・練習、演出相談
・衣装作成

をライブ前にしなくてはいけないことを市ヶ谷有咲は聞き落胆する。

ロゼリアはゲストバンド探しをしていたところ、ポピパにゲスト枠へ参加しないかと誘いが来る。
ポピパメンバーはリハ前のロゼリアの元へ集まり「よろしくおねがいします」と頭を下げる。
情熱にうたれた湊友希那は承諾し、ロゼリアの主催ライブにポピパが出ることになる。

香澄たちが帰ろうとすると、ポピパに会いに来た朝日六花と戸山明日香に出会う。
ロゼリアの主催ライブに出ると聞いた朝日六花はポピパを見に行きたいとチケットを取り置き予約する。

ロゼリア主催ライブ当日、ポピパたちが控室に入ると
ロゼリアたちが疲れて倒れていた。

ポピパたちはロゼリアのリハーサルを見る。
ギリギリまで最終調整している姿を見て刺激を受ける。

ポピパたちの出番がおわり、ロゼリアの出番になると
客入りが激しくなり歓声が増える。

ライブ後、ロゼリアメンバーが控室へ戻ってくる。
ロゼリアのライブを見て興奮している香澄は「同じことできるかなって。でも私達も絶対ライブします」と言う。

それに対し、湊友希那は「あなたたちは主催ライブをする覚悟がたりていない」と言い放つ。

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「バンドリ2ndシーズン」 3話「Sing Girls」あらすじ（ネタバレアリ）

Roseliaの主催ライブに参加し、自分たちとの差を目の当たりした香澄たち。それぞれが主催ライブに対しての思いをめぐらすなか、ポピパのライブに触発された六花は、羽丘の校内でバンドメンバーを探していた。

湊友希那はポピパが帰っていくのを見送っているいると、猫耳形のヘッドホンをしたプロデューサーのチュチュが現われる。

ポピパたちはロゼリアの主催ライブを見て同じことが自分たちにできるのか
不安の中、毎日を生活する。

羽丘女子ではポッピンパーティーのライブを見て、ライブをやりたい朝日六花がバンドメンバーを必死に探していた。
朝日六花は「バンドやるの難しいわー」家までの帰宅途中ぼやきながら歩いていると香澄を見つける。

香澄の後を付けていくと、ポストの裏に隠れるが見つかってしまう。

「この前のライブの後ちょっと様子が変だったので」
不安になった朝日六花は香澄に声をかけると、二人で公園へ行く。
朝日六花はポピパが主催ライブをやるかやらないか再検討している話を聞くと、
「ポピパさんのライブ大好きです」と香澄を励ます。

香澄の話を聞いていると朝日六花は「番台に立たないと！」とバイトがあることを思い出す。
朝日六花は香澄と一緒に住み込みの家へ行くと、主人が変わろうかと気遣ってくれる。

朝日六花は香澄とともにボイラー室を通って部屋へ入ると
香澄は朝日六花の部屋にあるストランドバーグギターを見つける。

ポピパメンバーから香澄に呼び出しの電話がかかる。
香澄が練習蔵に来ると久しぶりに全員揃うということで、朝日六花は練習蔵へ香澄の後をついていく。

ポピパメンバーたちは岐阜から上京してきた朝日六花の話を聞く。
「スペースのライブを見に来たときポピパを見てバンドをやりたいと思わせられた」とポピパメンバーへ言う。

ポピパたちに元気をもらったことのお礼を告げると、
ポピパメンバーは朝日六花のために曲を演奏する。

曲を聞き終えた朝日六花は「いつかポピパさんと一緒にライブします」と言うと、
ポピパたちは諦めかけていた主催ライブの決意を固める。

一方チュチュは湊友希那にプロデュースを断られ「あんなバンドぶっ潰してやる」と蹴り飛ばしたゴミ箱を片付けながら言い切る。

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「バンドリ2ndシーズン」 4話「ゴーカ！ごーかい！？のっびのびワールド！」あらすじ（ネタバレアリ）

主催ライブをする決意を固めたPoppin’Partyは、どんなライブにすべきか話しあっていた。
弦巻こころは悩んでいるPoppin’Partyを笑顔にするために、ハロー、ハッピーワールド！のメンバーを集め、作戦会議を開くことに。

弦巻こころは同じバンドのDJであるミッシェルの中身の奥沢美咲の元へ行き「ライブをする」と宣言。

奥沢美咲はワケのわからないことを言い出す弦巻こころの代わりに
ポピパメンバーへ謝る。ポピパメンバーはハロハピはどうやってライブをするのか？を奥沢美咲に尋ねるが具体性がなく
ポピパメンバーたちへの答えは見つからなかった。

放課後、弦巻こころはハロー、ハッピーワールド！のメンバーを集め「香澄たちを笑顔にするライブをやるわよ」と作戦会議を始める。

みんなの意見をホワイトボードへ書いていく弦巻こころ。
「あたしたち空を飛ぶの」

高い所の苦手な瀬田薫は不安な顔をする。
ハローハッピーワールドはライブの招待状をポピパメンバーへ送る。

ライブ当日、ポピパメンバーは弦巻こころの船・スマイル号へ連れてこられる。
ポピパメンバーが船内にはいると照明が消えて、ハローハッピーワールドの演劇のような大掛かりなライブ演出が始まる。

「もしよろしければもう一曲お付き合いいただけませんか？」
「では、空で！」瀬田薫はバラの花を牛込りみへ渡し姿を消す。

甲板へあがったポピパメンバーはミッションの形をした気球を見つける。

弦巻こころは気球から降りると、ミッシェルも弦巻こころを追いかけて飛ぶ。
しかしパラシュートのヒモがなくて急降下していく。
急降下していく中、ミッシェルのハッピーフライトモードを起動させる。

「できないことなんてない」
ハローハッピーワールドのメンバーはポピパメンバーに身体をはって勇気を与える。

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「バンドリ2ndシーズン」 5話「雨のRing-Dong-Dance」あらすじ（ネタバレアリ）

大きなライブイベントへの出演が決まったPastel＊Palettes。張り切る彩たちとは裏腹に、浮かない表情の千聖。メンバー全員が揃わない日々が続くなか、イヴはたえと密会をする千聖を目撃してしまう。

Pastel＊Palettesは総来場者数10万人を超えるアイドルフェス「World Idol Festival vol.4(WIF)」の出演が決まる。

デビューライブで苦い経験をした丸山彩は不安を抱えていた。

写真撮影をこなすパスパレメンバー。
白鷺千聖は役者のドラマ撮影の現場がありバンド練習に参加できないでいた。

白鷺千聖は電車に慣れておらず、リハスタまでの道に迷っていた。
すると花園たえがバイトに行く途中と横から現れる。

白鷺千聖はスタジオLOPにたどり着くと
花園たえが受付でバイトしていた。

ドラマ撮影の現場が終わった後、パスパレの練習をするが
短い時間しかないため丸山彩とのボーカル曲の練習はまだできないでいた。

丸山彩はスマホでエゴサしているとデビューライブで口パク・アテフリ発覚の記事が出てへこんでいた。

一方で白鷺千聖は現状では歌いながらベースが弾けないため「みんなの貴重な時間をうばう」と言ってパスパレでの練習に参加できずにいることを
花園たえへ相談していた。
二人がこっそりと話している様子を香澄と若宮イヴは見ていた。

打ち合わせ部屋にて若宮イヴはパスパレのメンバーに話そうとすると
白鷺千聖が部屋へ入ってくる。
賄賂を渡しながら話していた内容を「人気のパンが入ったからもらっただけ」とごまかす白鷺千聖

30分だけなら練習できると言う白鷺千聖に、丸山彩は「ゆらゆらやりたいんですけど」と提案する。
しかし白鷺千聖は「歌は次回で良いかしら」とごまかされ、二人で練習したい丸山彩と完璧になってから練習したい白鷺千聖との間に壁ができすれ違いになる。

雨の降る中で丸山彩は白鷺千聖の仕事現場まで行き、「千里ちゃんが一緒にうたってもいいよって言ってくれるまで待ってる」と
心境を告白する。

丸山彩の真剣な眼差しに心を打たれた
白鷺千聖は「次の仕事までスタジオを予約している。一緒に練習する？」と
丸山彩を傘の中へ入れる。

他の3人のパスパレメンバーも合流し全員でリハーサルへ行くことになる。

WIF当日、大きなイベンドだったがパスパレのステージは非常に小さい場所だった。
パスパレメンバーは円陣を組み気合をいれてステージへ上がる。

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「バンドリ2ndシーズン」6話「You Only Live Once」あらすじ（ネタバレアリ）

「バンドリ2ndシーズン」6話は幼馴染5人のバンド「Afterglow」回です。

朝日六花がバイト先のスタジオで片付けをしていると倒れているマスキングがいた。
マスキングは朝日六花を睨みつけて「お前かわいいな」と一言言ってその場を去る。
マスキングが来ているジャージの後ろにはうさぎの刺繍がしてあった。

朝日六花は怪しい人がいると外にいる店長へ伝える。
店長は商店街の祭りのポスターを貼っていて、朝日六花は祭りのプログラムに音楽発表会があることを知る。

舞台は羽沢珈琲店へ移る。羽沢珈琲店では商店街青年部貸し切りになっていてお祭りの打ち合わせが行われていた。

羽沢つぐみは商店街の長老に呼ばれて、祭りに若者を呼ぶためにライブの依頼をされAfterglowは祭りに参加することが決まっていた。

打ち合わせ内でポピパも祭りのライブに出ないかと誘われる。

翌日ポピパメンバーは祭りのライブに参加することを決める。
祭りのライブはAfterglowとの対バンで野外ライブと聞きテンションがあがるポピパメンバーたち。

Afterglowメンバーは放課後、学校の屋上で祭りライブのセトリ（セットリスト）を決める

Hey-day狂騒曲（カプリチオ）
ツナグ、ソラモヨウ
That Is How I Roll!
Y.O.L.O!!!!!

羽沢つぐみは遅れてやってきて、前日にギャラクシーから機材搬入ができるようになったことを伝える。

祭り当日改正の中、祭りが開始される。

Afterglowのライブが始まると突然雨が降り始める。
機材が濡れてしまうので、搬入した機材をギャラクシーへ戻し、ライブは一時中止になる。

テント内で休憩するポピパとAfterglow.
朝日六花は「Afterglow」のバンド結成の経緯を尋ねる。

雨があがり、もう一度機材搬入をして野外ステージを掃除した一同は
制服に着替えてライブを再開する。

Afterglowがライブをする時間は夕焼けが見える時間帯になっていた。

「バンドリ2ndシーズン」7話「ナカナ　イナ　カナイ」あらすじ（ネタバレアリ）

パステルパレットのメンバーであり羽丘女子学園の生徒会長の氷川日菜は
姉の氷川紗夜の花咲川女子学園へ生徒を連れて行く。

「お姉ちゃん、うちの学校と合同で文化祭しようよ！」

氷川日菜は生徒会室へ連れて行かれ紗夜に怒られる。
どくとくの喋り方でよくわからない主張に市ヶ谷有咲は困る。
紗夜は生徒会長の白金燐子へ決断を任せる。

ポピパ一同は練習蔵にあつまり主催ライブ会議を行う。
日程が一ヶ月後の6月最後の土曜に決まる。

いまのメンバーで最初のライブをしたのが去年の文化祭だったので
一周年を懐かしむ。

文化祭でもライブをやりたいと言い出すポピパメンバー。
雑務をすべてこなしている有咲はみんなの勢いにまけて承諾する。

宇田川あこからの連絡をうけて白金燐子は共同文化祭を決める。

ギャラクシーにはポピパがやってくる。
ポピパは主催ライブの日程を予約する。

「どうしてギャラクシーなんですか？」朝日六花がポピパへ質問すると
「ロックがいるからだよ」と戸山香澄は答える。

帰り道、花園たえは香澄とりみに「二人は足りないものはある？」と質問する。
たえは「経験がたりない」主催ライブまでに経験をつみたいと言う。

経験を積むため、たえは小さいアンプを置いて路上ライブを始める。

氷川日菜は花咲川女子学園内を歩いていると
丸山彩に出会う。

丸山彩は事務所からNGがでてパスパレがライブに出られないことを言うと、
「新しいバンド組めばいいんじゃない？なんでもない高校生の彩ちゃんだったらOKでしょ？」と発案する。

日菜は文化祭用に新しくバンドメンバーを集める。

今井リサは湊友希那にロゼリアも文化祭ライブ出てみない？と提案する。

花園たえは大塚駅で路上ライブを続けていた。

香澄から送られてきた歌詞のイメージで演奏していると
突然一人の女性がやってきて一緒に演奏する。
女性はかつての幼なじみレイヤだった。

レイヤはたえと一緒にバンドをやりたいと言う。

一方。チュチュはロゼリアに振られたことを根に持ち
狂犬マスキングをドラマーとして迎え音源制作をしていた。

レイヤはたえが歌った劇中歌

「ナカナ　イナ　カナイ」
作詞　中村航
作曲・編曲　藤田淳平（Elements Garden）

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「バンドリ2ndシーズン」8話「ひとりじゃないんだから」あらすじ（ネタバレアリ）

新曲の歌詞「また会える」の部分を見て
花園たえ(CV 大塚紗英)は先日再開したレイヤのことを思い出す。

主催ライブの会議がはじまり準備にとりかかるポピパ。
会議だったがたえは上の空だった。
会議中、突然たえは「別のバンドに行きたい」と言う。
理由は自分たちのバンドのレベルアップのために修行したいと言う。

戸山香澄(CV 愛美)はたえのサポートギタリスト加入を了承するが
山吹沙綾(CV 大橋彩香)は不安そうな顔をする。

翌日、たえは大きなビジネスビルの最上階にある一室に呼ばれる。
最上階にはプールや観葉植物が並び豪華な設備がある。

たえが部屋に入るとマスキング（CV 夏芽）がドラムを叩いている音が聞こえ、
入り口ではパレオ（CV 倉知玲鳳）が迎えに来た。

プロデューサーのチュチュ（CV 紡木吏佐）が自己紹介をする。
レイヤは仕事で出ていた。

チュチュは「誰でも良いわけではないの。私の聞きたい音を出せなきゃ帰ってもらうわ」
たえは圧倒される。

ポピパのメンバーは文化祭の準備・ライブの準備で忙しく
すれ違いになっていた。

香澄は一人練習蔵でギャラクシーまでの地図をつくっていた。
たえが練習蔵へやってくる。

香澄がたえにライブの曲順を提案すると、たえは「新曲のフレーズが浮かばない」と落ち込む。

文化祭準備の道具を羽丘女子学園へ運んでいた香澄は
会議室で企画バンドのメンバーを見つける。
企画バンドのメンバーは作曲をどうやっているかの質問をみんなに投げかけると
いつのまにか香澄が入ってきてメモをとっていた。

バンドメンバーをさがしていた朝日六花(CV 小原莉子)の前に今井リサ（CV 中島由貴）がやってくる。
六花は「どうしてバンドをはじめたんですか？」と質問する。

「ロゼリアは夢のためにやってるんだよね。」
ロゼリアにはフューチャーワールドフェスにでる夢があった。

羽丘女子学園へ文化祭の荷物を運んでいた香澄は
湊友希那(CV 相羽あいな)を見つけ、ロゼリアも主催ライブにでてほしいとお願いする。

羽丘女子学園についた香澄は企画バンドの公開リハを見に行く。

たえは新バンドのリハを行う。
そこでプロジェクト名「RAISE A SULEN(RAS)」の名前を聞かされる。
たえはRASのライブと文化祭のライブが同じ日であることに気がつく。

企画バンドの劇中歌

「ひとりじゃないんだから」
作詞　織田あすか（Elements Garden）
作曲・編曲　都丸椋太（Elements Garden）

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「バンドリ2ndシーズン」9話「スクール・フェスティバル・シンフォニー」あらすじ（ネタバレアリ）

花園たえ(CV 大塚紗英)はダブルブッキングになってしまい
向こうのバンドは仕事だから断れないとポピパメンバーに謝る。

たえは「両方でたい」と主張。
ポピパメンバーはたえが両方のライブにでられるよう時間を調整することに決める。

RASのプロデューサーであるチュチュ(CV 紡木吏佐)は
話を断られたロゼリアの湊友希那（CV 相羽あいな）にライブの招待状を渡す。

招待状を見た友希那はメンバーにたえの名前があるのをみて
2日とも文化祭があると招待状を返す。

羽丘女子学園と花咲川女子学園の文化祭が始まり
メンバーはイベントを楽しむ。

ポピパメンバーはライブが文化祭二日目の最後の出番になったことを確認するが、
たえがちゃんと間に合うか心配している。

ポピパメンバーは最終調整で練習するがたえは練習蔵へ来られなかった。

文化祭二日目が始まり、ポピパのライブの時間が近づくがたえからの連絡はまだ来ない。
たえは返信しようとするとRASのアンコールが始まる。

文化祭ライブはついにポピパの出番が来てしまう。
「今から行く」とたえから連絡が入るが間に合わず文化祭実行委員会組は
時間をのばせと指令をだす。
一方で戸山香澄はたえを迎えにいくといって飛び出してしまう。

丸山彩（CV 前島亜美）が必死にMCで場をつないでいると
朝日六花(CV 小原莉子)がステージにあがりマイクの前に立ちストランドバーグギターを持って独奏を始める。

六花に刺激された友希那たちロゼリア一同はステージにあがり演奏を始める。

香澄はたえと合流することができ羽丘女子学園まで走る。
二人がライブ会場についたときには文化祭は終わっていた。

ロゼリアの劇中歌 Determination Symphony

Roseliaのアルバム「Anfang」収録のDetermination Symphonyが劇中歌で使われました。

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ESP ( イーエスピー ) / ESP SNAPPER Tae

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「バンドリ2ndシーズン」 10話「R·I·O·T」あらすじ（ネタバレアリ）

文化祭ライブに間に合わなかったたえはポピパメンバーたちへあやまる。
ポピパメンバーは全員で文化祭関係者たちへ誤りにいくことを決める。

生徒会室へ行き生徒会長の白金燐子へ挨拶したあと
羽丘女子学園、ライブハウスCiRCLEへ

ロゼリアメンバーたちへ頭を下げると
湊友希那は「次はないわよ」とあっさりした対応だった。
ロゼリアメンバーは友希那の対応におどろくと「遅れた原因はわかっている。前、私達にプロデュースを申し込んできた女の子覚えてる？」と
RAISE A SUILEN(RAS)のライブとダブルブッキングしていたことをロゼリアメンバーへ告げる。

たえは一人でRASの部屋へ行く。

チュチュはRASの反響が良かったので舞い上がっていた。
たえが話があるというと「OK〜なんでも聞いてあげる」と言い出す。
たえは唇を噛み締めて「RASのサポートギターをやめさせてください」と2度言う。

たえは練習蔵へ戻る。
「RASと話をつけてきた。　RASの主催LIVEがあるからそれだけは出て」といわれたことをポピパメンバーへ告げる。

dubでのRAS主催LIVE当日。
dubはキャパ1000人を超えるLIVE HOUSE。

ポピパメンバーは全員でたえのLIVEを見に行くと

パステルパレットの若宮イヴと大和麻弥が後ろから入ってくる。

RASメンバーのすごさを聞いていると、ホールから音が鳴るのが聞こえてLIVEが始まる。

RASの曲「R·I·O·T」が流れLIVEが終わりチュチュ、パレオ、マスキングはステージを降りる。
たえとレイヤは昔のように拳をあわせてお互い微笑む。

ポピパメンバーはRASでのたえの演奏に圧倒されていた。
そんななかチュチュが現れ、ポピパメンバーへ交渉に現われる
「Tae Hanazonoを私にいただけませんか？」

おたえがもっているギター「ESP SNAPPER Tae」

「ESP」版が手に入ると良いのですが、値段がそれなりにお高くて諦めている人には
廉価版モデル「BanG Dream! SNAPPER TAE」があります。

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SEYMOUR DUNCAN ( セイモアダンカン ) / SHR-1b Hot Rails Strat Bridge White

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見た目そのままに色々なコスト削減されて作られているモデルです。
コスプレイヤーは「BanG Dream!」版をつかっている人も多いのでは。

ピックアップそのものは3基とも違いますが、見た目の大きな違いとしてリアピックアップが違います。

見た目までこだわりたいなら「Seymour Duncan SHR-1b」をリアへ取り付けるのがおすすめです。

Seymour Duncan SHR-1b

Seymour Duncan SHR-1bはシングルサイズハムバッカー。
シングルサイズの大きさでハムバッカーっぽい音がだせるピックアップです。

「バンドリ2ndシーズン」 11話「ホシノナミダ」あらすじ（ネタバレアリ）

「たえはなぞのを我がRaise a suilenへ正式にスカウトしたい」
おたえをいただきたいと言い出したチュチュに戸惑うポピパメンバー。

チュチュは猫型の名刺を香澄へ手渡す。
本格的に話が始まりそうなところで、階段から花園たえがチュチュを呼ぶ。
チュチュは打ち上げパーティーへ行ってしまう。
花園たえはポピパのメンバーに来てくれてありがとうと言うが、
ポピパの浮かない顔を不思議がり、チュチュの申し出を知らないためそのまま打ち上げへ行ってしまう。

ポピパは昼休みに集まる。
「千里さんから正式にOKでたよ」
花園たえが言い出したのはポピパの主催ライブの件だったが前日のことがあったので花園たえの言葉に戸惑うポピパメンバー。
ポピパメンバーはRASからの引き抜きがあったことを花園たえに伝える。

放課後、チュチュとパレオを市ヶ谷有咲の練習蔵へ招待する。

「たえはなぞのにポッピンパーティーを脱退してもらいたいのです」
RASとポピパ2つのバンドを掛け持ちする力のないと見抜いたチュチュはRASを選ぶように
ポピパたちを説得し始める。

「ガールズバンド時代を切り開くソウルがたえはなぞのにはある」
「全員がオーディションで選ばれた精鋭」

チュチュは「そちらの主催ライブが終わるまで待つ」と期間を与える。
パレオは去り際に「口は悪いが見る目はたしかです。暗闇からパレオという私を見つけ出してくれた」とチュチュの人としての評価をアピール。

チュチュの芯の通った言動に
「今すぐ決めなくて良いんじゃない」
「もっとちゃんと考えたほうが良いと思う」

ポピパメンバーはチュチュに文句を言うつもりだったが
しっかり花園たえのことを認めていて、目標があって、圧倒されるライブをできるのを痛感。

「もしかしたらおたえはあっちにいたほうがいいかも」
ポピパはやめるつもりはない花園たえの本心とポピパとの思いはすれ違い、花園たえの選択を先延ばしにしてしまう。

香澄は主催ライブの打ち合わせを朝日六花としていると、
様子のおかしい香澄を朝日六花は不安に思う。

花園たえは自宅で一人でギターを鳴らしていたとき
2つの小さなアンプを見て花園たえは香澄と練習した時期を思い出す。

じっとしていられなくなった花園たえは香澄に会いに行き、二人はお互いの思いを打ち明ける。

香澄は新曲のコードを鳴らしながらメロディを歌うと
歌詞を地面へ書きなぐる。

花園たえから練習蔵に集まるようにメッセージが届く。

メッセージを見たポピパメンバーは練習蔵に集まる。
「自分の気持ち全部聞いて下さい」
花園たえは自分の気持ちを込めたギターを弾き語りし「私、ポピパが好き」と言ってうつむく。

市ヶ谷有咲は「もう一回、今の歌って」とギター弾かせると
キーボードを鳴らし始め、照れくさい顔をしながら花園たえに向かって自分の気持ちを伝え始める。
そして他のメンバーも伝えられなかった本当の気持ちを話始める。

おたえの回想シーンで使われた劇中歌「STAR BEAT!〜ホシノコドウ〜」

「STAR BEAT!〜ホシノコドウ〜」
作詞　中村　航
作曲　上松範康（Elements Garden）
編曲　藤永龍太郎（Elements Garden）

バンドリ! 「STAR BEAT! 〜ホシノコドウ〜」(通常盤)

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花園たえが弾き語りした劇中歌

「Returns」
作詞　中村　航
作曲　上松範康（Elements Garden）
編曲　藤田淳平（Elements Garden）

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「バンドリ2ndシーズン」 12話「Returns」あらすじ（ネタバレアリ）

ポピパの新曲「Returns」が出来上がり
戸山香澄と花園たえはハイタッチし、「やべぇ〜」市ヶ谷有咲はニヤつく。
メンバーはポピパ主催LIVEまでの勢いをつける。

パスパレのメンバーはセトリ表をポピパへ渡し
LIVEの打ち合わせを始めると奥沢美咲はパスパレのセトリを持ってくる。

「パスパレセトリです」
スケッチブックに書かれた絵を見せられる.
なぜか香澄だけはハロハピの絵を理解でき曲順の解読に成功する。

続けてAfterglowのセトリを集めに行く。
しっかりと作り込まれAfterglowのセトリを見て、香澄の書いたセトリの酷さにがっかりするポピパメンバー。

まだロゼリアの出演OKをもらっていなかったためポピパメンバーはスタジオへ行く。
以前断られたため不安に感じていたが、主催LIVEに出てくれるようにロゼリアたちへ頭を下げに行くと即OKがもらえる。

ギャラクシーへ行ったポピパはスタッフの朝日六花と主催LIVEの打ち合わせを始め
最初と最後に二回でると言い始める。

打ち合わせ終了後、ギャラクシーの外に出ると
チュチュとパレオに鉢合わせする。

主催LIVEの陣中見舞に来たというチュチュ。
「とにかくあなたたちのLIVEは応援しています」
チュチュたちが帰ろうとすると花園たえはチュチュを止める。

「一緒にLIVEできて嬉しかった。でもごめんなさい。
私はRaise a suilenのギタリストにはなれない。私はポピパのリードギタ-だから。」

チュチュに頭をさげてRASに入れないことを
自分の口から告げる。

ポピパメンバーは香澄の家へ行き、主催LIVEの準備合宿をする。
そのまま朝日六花も香澄の家へついていく。

セットリストの打合せ最中、
「あの曲どうなったの？」香澄は作り途中の曲をメンバーへ披露し、
LIVEに新曲として入れることを決める。

主催LIVEの前日リハを迎える。
ポッピンパーティーは帽子のラインの色が違うLIVE衣装を着てリハに挑む。

「Returnsの歌詞、少し変えていい？」
リハへ向かう直前、花園たえは歌詞が書かれたノートに書き加えて
香澄へ見せる。

ロゼリアのリハが終わり、ポピパの出番になる。
出演者皆の前でポピパは新曲「Returns」を披露する。
曲の終わり、花園たえがリハ直前に付け加えた歌詞を香澄が歌い「Returns」が完成する。

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「バンドリ2ndシーズン」 13話「キズナミュージック♪」あらすじ（ネタバレアリ）

朝日六花はポピパ主催LIVE当日、ビデオカメラを持ってギャラクシーの外で録画をしていると
ポピパメンバーがやってくる。

ポピパメンバーは主催LIVEの準備をしていると
香澄に美竹蘭から電話がかかってきて買い出しに何か必要か聞かれる。

ギャラクシー控え室の前にはビデオカメラがおいてあり
「記念映像録画にご協力ください」のラベルが用意されていた。
主催LIVEにやってきた出演者たちはビデオカメラに向かってメッセージを話す。

出演バンド、afterglow,パステルパレット、ロゼリア、ハローハッピーワールドは
控室へ入りお菓子を食べながら過ごす。

香澄が控室へ入ってくると「何か手伝おうか？」と言い出すが、
香澄は何もしないで良いと出演者たちのために動き回る。

外には花園たえから招待状をもらったレイヤが来ていた。
レイヤがギャラクシーに入るのをためらっているとマスキングが後ろから出てくる

「入らねぇのか？」
「どうしてここに？」
「ここウチだし。あれオヤジ」
レイヤはマスキングの父親の顔を見て驚く。

ポピパメンバーはライブ衣装に着替えて皆で出演者全員で円陣を組む。
ポピパの出番から主催LIVEが始まるが、ポピパはセトリを変えてReturnsから曲が始まる。

続いてハローハッピーワールド、パステルパレット、Afterglow,ロゼリアと
新曲を披露する。

最後にもう一度ポピパが出てくる。
香澄はお客さんにメッセージを送り、ポピパ4人のメンバーへ
「みんながポピパで良かった」と言葉を添え「Dreamers Go!」を披露する。

主催LIVE終了後、パレオとチュチュが出演者の前に現れる。

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「バンドリ2ndシーズン 13話挿入歌

バンド	挿入歌
Poppin’Party	Returns
えがお・シング・あ・ソング	ハローハッピーワールド
しゅわりん☆どり〜みん	Pastel＊Palettes
きゅ〜まい＊flower	Pastel＊Palettes
ON YOUR MARK	Afterglow
Roselia	FIRE BIRD
Poppin’Part	Dreamers Go!

「バンドリ映画化と3rdシーズン決定！

BanG Dream! FILM LIVE　が2019年9月に公開
そしてBanG Dream! 3rd Seasonが2020年1月に放送予定です。

明らかに続きをほのめかす終わり方だったので

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誰得ギター — Wed, 17 Apr 2019 10:45:40 +0000

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 【ギター練習】Bohemian Rhapsody(ボヘミアンラプソディ）を使ったアコギ一本でのパーカッシブなソロギターチュートリアル | 誰得ギター

バンドリ3期 3話の動画を視聴をするには？朝日六花にポッピンパーティーの思いが届く3話

誰得ギター — Thu, 06 Feb 2020 18:50:44 +0000

誰得ギター

人気スマホゲーム「BanG Dream! ガールズバンドパーティ」のアニメ3期

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バンドリ3rdシーズン 3話感想まとめ　

はわああああ、良かった！！！
#バンドリアニメ3rd_01 pic.twitter.com/bCoQJhSi7U

— しおえもん (@shiro_3tea) February 6, 2020

ヤバい、、( இ﹏இ )#バンドリアニメ3rd_01 pic.twitter.com/vTLCcp7kPO

— しおえもん (@shiro_3tea) February 6, 2020

かっこいいレイヤさんが、おたえちゃんからの呼び出しにるんるんになる姿がかわいい、、、////#バンドリアニメ3rd_01

— 西本りみ (@Rimi_nsmt) February 6, 2020

ありしゃかわいいいいい#バンドリアニメ3rd_01 pic.twitter.com/KrltXndbfq

— しおえもん (@shiro_3tea) February 6, 2020

#バンドリアニメ3rd_01
このレイヤ姉という方凄い大人な雰囲気があるなぁ。

日菜とかハロハピの3馬鹿タイプは凄い好き。いい意味で落ち着きが無くて何事も楽しそうで見てる方も楽しい。

でもこういう大人キャラも推せる。何事も冷静沈着なのはとても良い。自分の中の何かを常に考えさせられる。 pic.twitter.com/ZeTmBYtK6A

— さらお/Sar@o (@osarak2) February 6, 2020

六花ちゃんとおたえちゃんの裸の3Dモデル……これちゃんと肩より下も作ってるのかなあ…… #バンドリアニメ

— 峰淳芽@嵩岳社 (@mine_junga) February 6, 2020

沙綾ちゃんの足元にバスドラ無いじゃん……
でもバスドラの音鳴ってるじゃん……
バンドリのアニメ……そういうとこだぞじゃん…… #バンドリアニメ

— 峰淳芽@嵩岳社 (@mine_junga) February 6, 2020

BanG Dream! 3rd Season 3話のぽにて#バンドリ #バンドリアニメ #ポニーテール #ポニテ #Pferdeschwanz pic.twitter.com/YRqa16rt5x

— 板坂阪返@流星屋模型店ポニテ㌠ (@ssuniformstore) February 6, 2020

ちなみに現在3位と4位のバンドは2nd seasonでポピパと共にRoseliaの主催ライブに出演してます#バンドリ #バンドリアニメ #バンドリのじかん #バンドリアニメ3rd_03 pic.twitter.com/nRjaYUocD8

— たまご@Craziness (@we_are_ras) February 6, 2020

タコさんウインナー #バンドリアニメ #BSNTV

— ハンドルネーム考え中 (@gojuhati) February 6, 2020

そこでマスキング#バンドリ #バンドリのじかん #バンドリアニメ #バンドリアニメ3rd_03

— 天道暁@POEM FIGHT (@kabutocosmos) February 6, 2020

・ポピパ新曲は神曲！
・『そのシュシュを外してみせて』泣いた
・マスキングまじいいキャラしてる！
・RASは神！！
3話神回！！ロックRAS加入おめでとう！#バンドリアニメ3rd_03 pic.twitter.com/0a7bNetmTH

— とろさん@Afterglowは神 (@toromemories) February 6, 2020

ライブでStep BY Step絶対盛り上がる。
ちなみに映画館で隣の高校生号泣してたのここな。
もらい泣きしかけたしよ。ライブで聴けたら絶対泣ける自信ある。#バンドリアニメ3rd_03

— Hatta (@h_yuya_ui) February 6, 2020

#祝バンドリ15万枚 #バンドリアニメ3rd_03
今週も良かった。
まだまだ成長を感じさせるバンドリに期待

— Kazu@友希那推し (@Loving_Roselia) February 6, 2020

#バンドリアニメ3rd_03
見たよぉ
やばいやばい！
ポピパの新曲マジで泣かせにきたわ
エモいシーンが多すぎて言葉にならん！
しかも、沙綾と有咲も歌うとか、リアルポピパと一緒のことしてきたし
鳥肌たちました☆彡.。
やっぱバンドリ最高︎ pic.twitter.com/cyzcGm1Py1

— hikaru☆ (@3070bb) February 6, 2020

(仮)でも、ロック頑張って
STEPbySTEP、また泣き歌や～
RASの新衣装カッコいい～
お疲れ様でした～
来週はお休みかー、早く再来週になってくれい#バンドリアニメ3rd_03

— ゆうきング@パパバンドリーマー (@yuuking1130) February 6, 2020

キャー、キングーーかっこいい#バンドリアニメ3rd_03

— ゆうきング@パパバンドリーマー (@yuuking1130) February 6, 2020

バンドリ3期3話。
ついにRAS結成！！！
…かと思いきや(仮)。それがいいたかっただけやろチュチュwwwww
ポピパに後押しされるロックのシーンが最高でしたねぇ。。。

…

…

…

…

パスパレは？#バンドリアニメ3rd_03

— りんご酢*⊿@リスアニ両日参戦 (@_RingoS) February 6, 2020

バンドリ3rdシーズンあらすじ（ネタバレアリ）

3話　帰らん！

バンドをやりたいんじゃないか？マスキングは朝日六花をつれてきた理由を話し、その場を去っていく。

ライブハウスCICLEではバンドリのライブ予選としてRoseliaのライブが行われていた。
ライブ出演回数に上限がないバンドリの状況でRoseliaの1位にあせるチュチュ。

バンドリの上位を目指して会議をするポッピンパーティー。
ポッピンパーティーの練習蔵に来ていた朝日六花は集中力がかけていた。

RASは初戦のライブを終えたが、2位でRoseliaを追い抜けないでいた。
花園たえから呼び出しが来たレイヤは近況と朝日六花がスタジオに来たことを話す。

朝日六花が銭湯に入っていると花園たえがやってくる。
花園たえからRASのスタジオの話を振られる。
朝日六花は中学のときのバンドとRASは違うと話す

ポッピンパーティーの会議中、花園たえは朝日六花に会ったことを話し
RASの不合格にしたと言う。
朝日六花がポッピンパーティーをこねられるのが嫌と話していたのを察したメンバーたち。
人間関係で身動きがとれなくなっていると意見の相違をしたポッピンパーティーは朝日六花のために曲を作る。

ポッピンパーティーのバンドリの予選ライブが始まる。

ポッピンパーティーは新曲Step by Stepを5人の歌で朝日六花に聞かせる。
ポッピンパーティーは新曲を聞いた朝日六花はギターを担いで走り出す。

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バンドリ関連記事はこちら

バンドリ3期 2話の動画を視聴をするには？ついに朝日六花がRASと演奏

誰得ギター — Thu, 06 Feb 2020 18:42:39 +0000

誰得ギター

人気スマホゲーム「BanG Dream! ガールズバンドパーティ」のアニメ3期

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バンドリ3rdシーズンあらすじ（ネタバレアリ）

2話　おびえてるじゃない

バンドリに出演すると改めて決めるポッピンパーティー。一方で
Roseliaはバンドリには出演せずフューチャー・ワールドフェスの打ち合わせをしていた。

RASのライブ翌日、朝日六花の学校にはチュチュが来ていた。
チュチュは朝日六花を見るなり改めてスカウトにやってくる。

チュチュから逃げ学校へ入る朝日六花。
チュチュは学校見学の許可をとり羽丘女子学園の校内へ入る。

昼休みがやってくる。朝日六花は呼び出しを受け生徒会室へ向かうとチュチュが待っていた。
また放課後チュチュはパレオをつれてやってくる。
チュチュ・パレオから逃げ回る朝日六花。

Afterglowのメンバーはバンドリの決勝が商店街の祭り最終日とかぶるため
スケジュールを相談していた。

朝日六花が捕まらず帰ろうとしていたチュチュはRoselia・湊友希那に会う。
夜になりRoseliaのミーティングが始まると湊友希那はフューチャー・ワールドフェスと平行して
バンドリにも参加すると話を切り出す。

マスキングはチュチュのスタジオから
ライブハウス『Galaxy』へ戻ると朝日六花がギターを弾いている音を聞き衝撃をうけ
朝日六花をチュチュのいるスタジオへ連れて行く。

朝日六花はRASと一緒に演奏するがチュチュは見込み違いで不合格と朝日六花を返す。

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バンドリ関連記事はこちら

2025,2026年「ＮＨＫ紅白歌合戦」の見逃し配信はU-NEXTで見られます。

誰得ギター — Mon, 31 Dec 2018 15:16:50 +0000

音楽を趣味で聞いている・演奏している人なら大みそかの夜に毎年放送されている「ＮＨＫ紅白歌合戦」は気になっているはずです！
ただ他にも見たい番組が重なって見られなかった、あいにく仕事だったという人向けにＮＨＫオンデマンドでは
紅白歌合戦の見逃し配信をおこないます。

NHKオンデマンドに入っていない人はU-NEXTで「ＮＨＫ紅白歌合戦」が見られる

ＮＨＫオンデマンドに入っていない人はU-NEXTでもＮＨＫオンデマンドを見ることができます。

■第69回「ＮＨＫ紅白歌合戦」　配信予定

前半：1月1日(火) 10:00～
後半：1月1日(火) 12:00～
（いずれも1/15までの期間限定配信）

紅白歌合戦の配信は前半と後半に分けて配信されます。
「1/15までの期間限定配信」ですので、見逃してしまった人は要チェックです。

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U-NEXTでは「ＮＨＫ紅白歌合戦」の期間限定配信以外にも様々な動画が見られます。
お正月の暇つぶしに見放題配信のアニメや映画・ドラマを見まくるのにも最適です。

「1/15までの【期間限定】配信」

Twitterでの紅白歌合戦の評判

かっこよすぎました！！！！！
嵐らしい！！
今年もありがとう。#紅白歌合戦2018 pic.twitter.com/e5Wz6f1HNK

— WAKANA (@W_M_19990920) 2018年12月31日

なんで5歳児がこんな時間にテレビ出てるんですかねぇ…#紅白歌合戦2018 pic.twitter.com/3o7nBb2JLj

— ゴーンヌ◢͟￨⁴⁶@趣味垢 (@t18680074) 2018年12月31日

米津玄師ツイート4分で10万いいねは
さすがに最強すぎる！！#紅白歌合戦2018 pic.twitter.com/BXd5T2AYDE

— TT (@manakanta469) 2018年12月31日

すごい紅白を見た…伝説になるわこれ。。。 #紅白歌合戦2018 pic.twitter.com/oZmCe2fLpe

— るーすけ㌠＠気合い☆入れて☆いきます☆☆ (@rvs1980) 2018年12月31日

締めはSMAP色をポケットチーフに忍ばせたサザンオールスターズ！ #紅白歌合戦2018 #NHK紅白 pic.twitter.com/ooXPeP96WA

— のど自慢の鐘bot (@kanewonarasukis) 2018年12月31日

やっぱAqoursちゃん最高やったなー！！！#紅白歌合戦2018 pic.twitter.com/s9RMkt7gTN

— ラブライブ垢(・8・) (@912Kotoriminami) 2018年12月31日

#紅白歌合戦2018 は、
石川さゆりさん#天城越えはええな～
すごく先まで越えたに違いないくらいのド迫力でしたー pic.twitter.com/fZdzBreoqL

— toshi (@toshiushi) 2018年12月31日

MISIAは40歳だそうです。すげぇ( ^ω^ ) #紅白歌合戦2018 #MISIA pic.twitter.com/JCvpGbP45h

— ギニューさん＼＼\\٩( ‘ω’ )و //／／ (@Mr_Ginyu) 2018年12月31日

至高の椎名林檎と宮本浩次#紅白歌合戦2018 #NHK紅白 #椎名林檎 pic.twitter.com/VUtvhpSj1p

— ヨッシー (@superelastic441) 2018年12月31日

三浦大知「Be Myself～紅白スペシャル～」#紅白歌合戦2018 #スペシャルダンス pic.twitter.com/jijg1oIEC4

— 三浦大知♬music動画 (@MiuraDaichi_) 2018年12月31日

みんなで筋肉体操組、紅白歌合戦での出番終わりました！
視聴者の皆さん、そしてもちろん制作スタッフの皆さんのおかげで、紅白という大舞台に立たせてもらえたこと、心から感謝してます。
年明け1/7からは第二弾も始まります！今後ともみんなで筋肉体操をよろしくお願いします！ #紅白歌合戦2018 pic.twitter.com/xq234aI3dR

— 弁護士小林航太@紅白もみんなで筋肉体操 (@yomimate) 2018年12月31日

Perfumeの二曲目がエレクトロ・ワールドだった( ; ω ; )感涙…#紅白歌合戦2018 pic.twitter.com/5iWJO1YuMV

— もりさき@日常用 (@morisaki230momo) 2018年12月31日

ミル姉さん！！！！！#紅白歌合戦2018 pic.twitter.com/nWcoE2y2op

— コウタロウω (@COWTARAW) 2018年12月31日

登場のテロップがかっこよすぎる。震えるわ！#紅白歌合戦 pic.twitter.com/0r3O9SNwn7

— カモフラ@カデット駒門駐屯地PX店 (@cocawhite1203) 2018年12月31日

■第69回「ＮＨＫ紅白歌合戦」曲順

●前半
1.【白】三代目 J Soul Brothers（7）「R.Y.U.S.E.I.」
2.【紅】坂本冬美（30）「夜桜お七」
3.【白】郷ひろみ（31）「GOLDFINGER’99～GO！GO！2018～」
4.【紅】Little Glee Monster（2）「世界はあなたに笑いかけている」
5.【白】山内惠介（4）「さらせ冬の嵐～刀剣男士コラボスペシャル～」
6.【紅】DAOKO（初）「打上花火」
7.【白】Hey! Say! JUMP（2）「Ultra Music Power ～紅白スペシャルver.～」
8.【紅】丘みどり（2）「鳰の湖」
9.【紅】天童よしみ（23）「ソーラン祭り節2018～どさんこver.～」
10.【白】Suchmos（初）「VOLT-AGE」
11.【白】純烈（初）「プロポーズ」
12.【紅】あいみょん（初）「マリーゴールド」
13.【紅】水森かおり（16）「水に咲く花・支笏湖へ～イリュージョンスペシャル～」
14.【白】Sexy Zone（6）「カラクリだらけのテンダネス～2018紅白ver.～」
15.【企画】刀剣男士「刀剣乱舞～出陣！紅白歌合戦～」
16.【企画】Aqours「君のこころは輝いてるかい？」
17.【白】YOSHIKI feat. HYDE（初）「Red Swan」
18.【紅】YOSHIKI feat. サラ・ブライトマン「Miracle」
19.【紅】島津亜矢（5）「時代」
20.【白】五木ひろし（48）「VIVA・LA・VIDA！～生きてるっていいね！～」

●後半
1.【白】DA PUMP（6）「U.S.A.」
2.【紅】いきものがかり（10）「じょいふる」
3.【紅】AKB48（11）「恋するフォーチュンクッキー」
4.【白】福山雅治（11）「2018スペシャルメドレー」
5.【白】King ＆ Prince（初）「シンデレラガール」
6.【紅】Perfume（11）「Future Pop 紅白SP」
7.【白】関ジャニ∞（7）「ここに」
8.【紅】欅坂46（3）「ガラスを割れ！」
9.【白】三山ひろし（4）「いごっそ魂～けん玉世界記録への道、再び～」
10.【紅】西野カナ（9）「トリセツ」
11.【白】SEKAI NO OWARI（5）「サザンカ」
12.【紅】乃木坂46（4）「帰り道は遠回りしたくなる」
13.【特別企画】北島兄弟「ブラザー」
　　　　　　　北島三郎「まつり」
14.【紅】TWICE（2）「紅白メドレー2018」
15.【白】EXILE（12）「EXILE紅白スペシャル2018」
16.【紅】Superfly（3）「Gifts」
17.【白】三浦大知（2）「Be Myself～紅白スペシャル～」
18.【紅】aiko（13）「カブトムシ」
19.【紅】松田聖子（22）「SEIKO DREAM MEDLEY 2018」
20.【白】氷川きよし（19）「勝負の花道～世界に響く和太鼓SP～」
21.【特別企画】椎名林檎（6）と宮本浩次（初）「獣ゆく細道」
22.【紅】松任谷由実（3）「私が好きなユーミンのうた～紅白スペシャル～」
23.【白】星野源（4）「アイデア」
24.【白】米津玄師（初）「Lemon」
25.【紅】MISIA（3）「アイノカタチ 2018」
26.【白】ゆず（9）「うたエール」
27.【紅】石川さゆり（41）「天城越え」
28.【白】嵐（10）「嵐×紅白スペシャルメドレー」
29.【特別企画】サザンオールスターズ（5）「勝手にシンドバッド・希望の轍」

「1/15までの【期間限定】配信」

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シティポップって結局何なの？世界中のZ世代を虜にした「プラスティック・ラブ」現象と名盤を解説

誰得ギター — Tue, 15 Sep 2026 03:00:00 +0000

2017年7月、YouTubeにひとつの奇妙な動画が投稿されました。「Plastic Lover」というアカウントが上げた、8分間にわたるリミックス動画。素材は竹内まりやが1984年に発表した「プラスティック・ラブ」でした。

当時、この曲を知る人は日本でもそう多くありませんでした。シングルとしてのオリコン最高順位は86位、売上はおよそ1万枚というささやかな実績しか残していない曲だったからです。

ところが2018年の春先から、この動画がYouTubeの「次のおすすめ」欄に次々と現れるようになります。なぜアルゴリズムがこの一本を選んだのか、正確な理由は今も分かっていません。ただ結果として、シンセベースのイントロに続いて英語字幕付きで流れる”Watashi wa Plastic Love”のフレーズは、わずか2年足らずで2,500万回以上再生される動画に育ち、世界中のZ世代のプレイリストへと静かに侵入していきました。

彼らはきっとこう思ったはずです。「これ、いつの曲？」と。答えは1984年。しかも「新発見のアーティスト」ではなく、当の日本ではとうに忘れられかけていた、バブル前夜の空気をそのまま閉じ込めた音楽でした。この一曲をきっかけに、海外のリスナーたちは次々と「シティポップ」という言葉にたどり着くことになります。

シティポップはどうやって生まれたのか

シティポップという言葉自体、当時から明確な定義があったわけではありません。渦中にいたミュージシャンたちも「自分たちはシティポップをやっている」という自覚はほとんどなかったと言われています。後から音楽メディアやリスナーが、ある時期の空気感を共有する楽曲群をまとめてそう呼ぶようになった、いわば「後付けのジャンル名」に近い存在です。

とはいえ、起点としてよく語られるのが1975年、シュガー・ベイブが発表したアルバム『SONGS』です。山下達郎と大貫妙子を擁したこのバンドは大瀧詠一がプロデュースを手がけ、アメリカのポップスやソウルの語法を、東京の空気感に落とし込むような音作りを見せました。ここから山下達郎や大瀧詠一がそれぞれソロ活動へと進み、1970年代後半から80年代にかけて、日本の高度経済成長からバブル期にかけての「豊かさ」を音楽に反映させていくことになります。

背景にあったのは、日本経済の右肩上がりの成長と、それに伴う都市生活者の増加でした。車を持ち、海辺へドライブに出かけ、洗練されたオーディオセットで音楽を楽しむ——そんな新しい都会的なライフスタイルを送る若者たちに向けて、彼らの生活そのものを描写するような音楽が求められていたのです。歌詞には湾岸の夜景やサーフィン、ドライブ、リゾート地の情景が頻出し、まさに「都市生活のBGM」として機能していました。

サウンド面での大きな特徴は、アメリカのAOR（Adult Oriented Rock）やソウル、フュージョンからの強い影響です。当時の日本のミュージシャンたちは、スティーリー・ダンやボズ・スキャッグスに代表されるAORの洗練されたコード感覚、ソウルミュージックのグルーヴ、フュージョンの高度な演奏技術を貪欲に吸収し、そこへ日本語詞を乗せていきました。さらにレコーディングには当時のトップクラスのスタジオミュージシャンたちが起用され、アレンジ・演奏・録音のすべてにおいて非常にハイクオリティな作品が量産されていったことも見逃せないポイントです。

サウンドの特徴——なぜこんなに洗練されて聴こえるのか

セブンス・テンションを多用したコード進行：ジャズやフュージョン譲りの複雑なコードワークが土台にあり、いわゆる2-5-1のような進行に7th・9th・13thといったテンションノートを重ねることで、独特の浮遊感と洒落た響きを生み出しています。単純な3コードのポップスとは一線を画す、聴くほどに発見がある和声感覚が持ち味です。
フュージョン仕込みのリズム隊：ベースは単調にルートを刻むのではなく、経過音を挟みながら動き回るような旋律的なラインを弾き、ドラムはタイトでありながらどこかハネるようなグルーヴを刻みます。当時のスタジオミュージシャンの多くがジャズ・フュージョン出身だったことと無関係ではありません。
都会的で乾いた歌詞世界：恋愛の情景描写であっても、湿っぽくベタベタしない、どこか距離感のあるクールな言葉選びが多いのも特徴です。ドライブ、リゾート、深夜のオフィス街、空港——舞台となる場所自体が「都会」を象徴する記号として機能しています。
レコーディングのクオリティの高さ：当時最先端のスタジオ機材を使い、緻密に作り込まれたアレンジと分厚いコーラスワークが折り重なった、いわゆる「作り込まれた音」が基本です。海外のリスナーが「なぜこんなに音が良いんだ」と驚くのは、このレコーディング水準の高さも大きな理由のひとつだと言われています。

聴いておきたいシティポップの名盤4選

山下達郎『FOR YOU』(1982)

「シティポップの教科書」と呼ばれることも多い一枚です。冒頭を飾る「SPARKLE」からして、爽やかなギターカッティングと分厚いコーラスワークが疾走感を生み出し、アルバム全体を通してサマーリゾートのようなきらめきに満ちています。山下達郎自身が全曲の作詞作曲・アレンジ・プロデュースを手がけており、彼のポップセンスが最も分かりやすく結実した作品のひとつです。イラストレーター鈴木英人が手がけた、西海岸の電器店の前に本人を立たせたジャケットも印象的で、音楽と同じくらいビジュアルの記憶に残る一枚です。

竹内まりや『VARIETY』(1984)

冒頭で紹介した「プラスティック・ラブ」を収録したアルバムです。夫である山下達郎がプロデュースを手がけ、全曲を竹内まりや自身が作詞作曲するという布陣。「プラスティック・ラブ」のほかにも「もう一度」「本気でオンリーユー」など粒ぞろいの楽曲が並び、夫婦タッグならではの息の合ったポップスが詰まった一枚です。

大瀧詠一『A LONG VACATION』(1981)

シュガー・ベイブ解散後、大瀧詠一がソロで放った金字塔です。松本隆の作詞、大瀧詠一自身の作曲・アレンジによる本作は、50〜60年代アメリカンオールディーズへの愛情とシティポップ的な洗練を同居させた作品で、100万枚を超えるセールスを記録しました。「君は天然色」に代表される突き抜けるようなポップさは、40年以上経った今も色褪せません。永井博が手がけたジャケットイラスト——ヤシの木とプールサイド、パステルカラーの空——も本作とセットで語られることが多く、後年「シティポップ的ビジュアル」の代名詞にもなっていきました。

杏里『Timely!!』(1983)

角松敏生がプロデュースを手がけた、通称「角松三部作」の第2弾です。TVアニメ『キャッツアイ』の主題歌としても知られる「CAT’S EYE」や、「悲しみがとまらない」を収録しています。都会的でありながらどこかファンキーなグルーヴを軸にした楽曲群は、杏里のハスキーな歌声と絶妙にマッチし、シティポップの中でもダンサブルな側面を体現した作品です。

海外での再評価——シティポップはなぜ世界に届いたのか

「プラスティック・ラブ」の一件は、決して単発の現象ではありませんでした。同じ頃、既存の音楽をスクリューやサンプリングで加工するインターネット発祥のムーブメント「ヴェイパーウェイヴ」の中から、シティポップの楽曲をチョップ＆サンプリングして四つ打ちのビートに乗せ直す「フューチャーファンク」というジャンルが派生していきます。日本のアニメ映像とセットでYouTubeに投稿されたそれらの動画は、シティポップというジャンルそのものへの興味を海外のリスナーに植え付ける役割を果たしました。Open Cultureの特集記事でも触れられている通り、YouTubeのレコメンドアルゴリズムという「偶然」が、忘れられかけていた日本のポップスを再び世界の耳に届けたことは間違いありません。

面白いのは、音楽だけでなくジャケットのビジュアルまでセットで再評価された点です。永井博や鈴木英人が描いたヤシの木・プールサイド・パステルカラーの都会の風景は、SNS上で「レトロフューチャー」な質感として親しまれ、フューチャーファンクの動画のサムネイルやループアニメーションにも頻繁に引用されるようになりました。音とビジュアルが一体になって拡散したことも、シティポップというジャンル名そのものが海外で定着した理由のひとつだと言えそうです。

この流れを牽引した人物のひとりが、韓国出身のプロデューサー・Night Tempoです。彼はシティポップや昭和歌謡をリエディットし、海外のリスナーに向けて丁寧に紹介し直すことで、単なる「バズった曲」で終わらせない、ジャンルとしての再評価を後押ししました。Spotify＆CINRAのKompassの記事によれば、竹内まりや「プラスティック・ラブ」はオリジナル・再編集版を合わせてSpotify上で9,000万回以上再生されており、大貫妙子「4:00 A.M.」に至っては1億回再生を突破しているといいます。40年前の日本のポップスが、ストリーミング時代になって新しいリスナーを獲得し続けているのは、なかなか感慨深い現象です。

そして、シティポップから派生したフューチャーファンクは、電子音楽の制作技法という点でも面白いつながりを持っています。サンプルをチョップして四つ打ちのビートに乗せ直すという作り方は、ハウスミュージックのトラックメイクの発想そのものです。ハウスの成り立ちについては以下の記事で詳しく解説しているので、電子音楽側からシティポップを聴き直したい人はあわせて読んでみてください。

ハウスミュージックって結局何なの？シカゴの倉庫から生まれた名盤とあわせて解説

シティポップっぽい音を作りたい人へ軽いヒント

ここまで読んで「自分でも作ってみたい」と思った人向けに、ごく軽くヒントを置いておきます。

コード進行はジャズ理論を少しだけかじってみる：ダイアトニックコードに7th・9thを足すだけでも、一気にそれらしい響きに近づきます
ベースは”動かす”意識で：ルート音を単調に刻むのではなく、経過音を挟みながら旋律的に動かすと、フュージョン特有の浮遊感が出ます
ギターのカッティングは軽やかに：ミュートを効かせた16分のカッティングは、シティポップサウンドの疾走感を支える重要な要素です
コーラス・リバーブは薄く上品に：分厚く重ねすぎず、あくまで質感を整える程度に留めるのがポイントです。空間系の使い分けに迷ったら、このあたりの基礎から見直してみるのもおすすめです
装飾を足しすぎない：主役はあくまでコードとメロディ。楽器を足すよりも、少ない音数でどれだけ洒落た響きを作れるかを意識すると、それらしさに近づきます

もっと作り込みたくなったら、この辺りは別記事でさらに掘り下げる予定なので、まずは「テンションコード＋動くベース＋軽やかなカッティング」の三点セットだけ押さえておけばOKです。

まとめ

シティポップは、日本の高度経済成長からバブル前夜にかけての「豊かさ」と「都会への憧れ」を、AORやソウル、フュージョンのエッセンスを借りながら音にしたジャンルです。山下達郎『FOR YOU』、竹内まりや『VARIETY』、大瀧詠一『A LONG VACATION』、杏里『Timely!!』——今回紹介した名盤はどれも、当時のスタジオミュージシャンたちの技術と美意識が惜しみなく注ぎ込まれた作品ばかりです。

そして2017年、忘れられかけていたこれらの音楽は、YouTubeのアルゴリズムという偶然の入り口から、海を越えて新しい世代のリスナーの元に届きました。「プラスティック・ラブ」から入った人も、フューチャーファンクのリミックスから入った人も、たどり着く先は同じ——40年前の日本が鳴らしていた、洗練された都会のサウンドです。気になった一枚から、ぜひ通しで聴いてみてください。

チョーキングの音程がいつもズレる人へ。半音・全音を正確に合わせる感覚のつかみ方

誰得ギター — Tue, 15 Sep 2026 01:00:00 +0000

エレキギターを弾いていると、リードプレイで避けて通れないのが「チョーキング（ベンド）」です。音を伸ばしながら弦を押し上げてピッチを変える、あの表情豊かな奏法。かっこいいフレーズに欠かせない技術ですが、同時に多くの人がつまずくポイントでもあります。

チョーキングした音が微妙に低い、あるいは高すぎる
半音・全音・1音半…どれくらい弦を押し上げればいいのか感覚がつかめない
自分では「ちゃんと上げた」つもりなのに、録音を聴くと音程がフラフラしている

これ、実は指の力や才能の問題ではありません。フォームと「耳の使い方」を順番に整理すれば、誰でも驚くくらい正確にピッチを合わせられるようになります。

この記事では、チョーキングの基本フォームから、半音・全音・1音半それぞれの目標ピッチのつかみ方、耳でピッチを確認する具体的な練習法、そしてよくある失敗まで、初心者の方にも分かりやすく解説していきます。ピッキングの基礎がまだ不安な方は、先にオルタネイトピッキングの記事で土台を固めておくと、この記事の練習もスムーズに進むはずです。

チョーキングとは？ピッチのズレが起きる理由

チョーキングとは、フレットを押さえた弦を指で押し上げる（または引き下げる）ことで、音を鳴らしたままピッチを変化させる奏法です。半音・全音上げるのが基本で、そこにビブラートやリリース（元の高さに戻す動作）を組み合わせることで、ボーカルのように「歌う」フレーズが作れます。

ピッチがズレる原因の多くは、実は「どこまで押し上げればいいか」という目標がふわっとしたまま、感覚だけで弦を押し上げてしまっていることにあります。ゴールが曖昧なまま動かせば、当然着地もブレます。まずはフォームを整えて、そのあとで「目標ピッチ」を体に覚えさせる、という順番で進めていきましょう。

正しい基本フォーム

指の使い方

チョーキングは、基本的に薬指（またはピンキー）でメインの弦を押し上げ、その後ろに人差し指・中指を添えて一緒に押し上げるのが基本フォームです。1本の指だけで押し上げようとすると力が入りすぎて、ピッチが安定しにくくなります。複数の指でサポートすることで、少ない力でしっかりコントロールでき、疲労も減ると言われています。

具体的には、押し上げる指の関節を軽く曲げ、手のひらごと弦を持ち上げるようなイメージ。指先だけで弦を引っ掛けようとすると、途中で滑ったり、余計な力みが出たりしやすいので注意しましょう。

手首と前腕を使う

もう一つのポイントが、手首と前腕を連動させることです。指の力だけで押し上げようとすると、狙った幅で止められず、上げすぎたり上げ足りなかったりします。手首を軽くひねる動きを指の動きに連動させることで、弦を押し上げる距離をコントロールしやすくなると言われています。

弦を握り込むというより、手のひら全体で弦を「持ち上げて運ぶ」ような感覚を意識してみてください。

半音・全音・1音半…目標ピッチの感覚をつかむ

チョーキングの幅は、実際には「押し上げる距離」ではなく「フレット何個分の音程になるか」で考えると整理しやすくなります。

半音チョーキング：1フレット分上のピッチが目標。比較的軽い力で届く幅
全音チョーキング：2フレット分上のピッチが目標。半音の倍くらいの力が必要になる感覚
1音半チョーキング：4フレット分上のピッチが目標。ソロのクライマックスなどで使われることが多い、大きめのチョーキング

フレットの位置（弦のテンション）によって必要な力加減は変わってきますが、この「フレット何個分」という基準で考えると、ネック上のどこを弾いていても目標がブレにくくなります。

また、弦の太さ（ゲージ）やチューニングによってもチョーキングに必要な力は変わってきます。太い弦や低いポジションほどしっかりした力が必要になるので、いつも弾いているセッティングで「このフレット・この弦なら、これくらいの力で全音上がる」という感覚を、フレーズごとに少しずつ蓄積していくイメージで練習するとよいでしょう。

耳でピッチを確認する練習法

フォームが整ったら、次は「耳」を鍛える段階です。感覚だけに頼らず、以下の2つの方法を組み合わせて練習してみてください。

目標の音をあらかじめ弾いて耳に入れておく

まず、チョーキングで到達したい音を普通に指で押さえて鳴らし、その音をしっかり耳に入れておきます。そのあとで、チョーキング前の音から押し上げて、さきほど聴いた音とぴったり同じ高さになるまで合わせる。この「先に正解を聴いてから、耳で合わせにいく」という順番が、ピッチ感覚を鍛えるいちばんの近道です。

たとえば7フレットから全音チョーキングするなら、まず9フレットを普通に弾いて音を耳に焼き付けてから、7フレットを押し上げてその音に合わせにいく、という練習をワンセットで繰り返してみましょう。

チューナーを使った練習

耳に自信が持てるまでは、クリップチューナーやペダルチューナーを表示させながら練習するのも効果的です。チョーキングした音がメーターのどこで止まっているかを目で確認しながら弾くことで、「このくらい押し上げるとこの位置で止まる」という感覚を視覚的にも補強できます。

慣れてきたら、チューナーを見ずに先に耳で合わせ、あとから答え合わせとしてチューナーを確認する練習に切り替えていくと、耳だけでピッチを取れる感覚がどんどん育っていきます（参考：Guitar World – Improve Your String Bends with This Simple Exercise）。

よくある失敗

上げすぎ・上げ足りない

もっとも多い失敗が、目標ピッチをオーバーしてしまう、あるいは届かずに止まってしまうパターンです。特に全音チョーキングは半音の倍近い力が必要になるため、力加減の感覚がつかめていないうちは、上げすぎてシャープしすぎたり、逆に力尽きて音程が届かなかったりしがちです。焦らず、先ほどの「目標の音を先に聴く」練習を繰り返して、力加減とピッチの対応関係を体に覚えさせていきましょう。

ビブラートとの混同

チョーキングを覚えたての時期にありがちなのが、ピッチを一点でピタッと止めるべき場面で、無意識に指が揺れてビブラートっぽくなってしまうことです。ビブラートはピッチを細かく揺らして表情をつける別の技術であり、チョーキングの「ある一点のピッチに正確に到達する」練習とは目的が違います。まずは揺らさずにピタッと止める精度を身につけてから、ビブラートを別途練習して組み合わせる、という順番を意識すると混同しにくくなります。

どちらも「ピッチをコントロールする」という点では共通していますが、狙いが違う技術だと理解した上で練習を切り分けると、フォームが混ざってどっちつかずになる事態を避けやすくなります。

表現の幅を広げるために

チョーキングでピッチを正確にコントロールできるようになると、レガート奏法など他の表現的な奏法とも組み合わせやすくなります。ハンマリング・プリングをなめらかにつなげるレガート奏法の記事もあわせて練習してみると、フレーズ全体の「歌わせ方」がぐっと豊かになります。また、チョーキングは単音のリードプレイだけでなく、パワーコードを軸にしたリフに彩りを加える際にも活躍する技術なので、ギターの基礎テクニックとしてセットで身につけておくのがおすすめです。

まとめ

チョーキングのピッチがズレる悩みの多くは、才能ではなく「フォーム」と「耳の使い方」が整理されていないだけです。

複数の指でサポートしながら、手首・前腕を使って押し上げる
半音＝1フレット分、全音＝2フレット分、1音半＝4フレット分、という基準で目標ピッチをイメージする
目標の音を先に耳に入れてから合わせる練習と、チューナーを使った視覚的な確認を組み合わせる

この3つを意識しながら少しずつ練習を重ねれば、ピッチのブレは着実に減っていきます。焦らず、耳と指の両方を育てていきましょう。

曲の音圧を上げたら音割れが怖くなった人へ。マキシマイザーとリミッターの違いをアンプのマスターボリュームで例えると迷わなくなる

誰得ギター — Tue, 15 Sep 2026 05:00:00 +0000

DTMでミックスの最後、あるいはマスタリングの段階になると、必ずと言っていいほど出てくるプラグインが2つあります。「リミッター（Limiter）」と「マキシマイザー（Maximizer）」です。

どちらもメーターを見ながら音量を上げていく系のエフェクトで、見た目も似ているし、説明を読んでも「音が歪まないように音量を抑える」みたいなことが書いてあって、正直どっちがどっちだか分からなくなる……。「とりあえずマスタートラックにリミッターを挿しておけばいいの？」「マキシマイザーって名前からして音を大きくするやつでしょ？」「音圧を上げたいならどっちを使えばいいの？」——この2つは、DTM初心者が音圧の壁にぶつかったときに、まとめて「なんとなく分かった気になっている」まま素通りしてしまいやすいエリアです。

結論から言うと、この2つは「音量の上限を超えないようにする」という共通の役割を持ちながら、何のためにその処理をするのかという目的がはっきり違います。そしてこの違いは、ギターやアンプを触ったことがある人なら、身近な感覚に置き換えるとすんなり理解できます。この記事では、リミッターとマキシマイザーを対比しながら、仕組みの違いとマスタリングでの使い所まで整理していきます。

まず結論：どちらも「音量の上限を超えないようにする」エフェクト

先に全体像を出してしまいます。

共通点：どちらも「設定した音量の上限（スレッショルド）を信号が超えないようにする」という基本動作は同じ
リミッター：主に音割れ防止のための保険。スレッショルドを超えた分を、なるべく自然に、素直に抑えるのが役目
マキシマイザー：主に音圧を積極的に上げるための処理。内部にルックアヘッドや複数段のリミッティング、場合によってはクリッピングまで組み込んで、音質の劣化を抑えながら音量そのものを底上げする

項目	リミッター	マキシマイザー
ざっくりの役割	音割れを防ぐ保険	音圧を積極的に稼ぐ
かける強さの目安	数dB程度、控えめ	もっと踏み込んで音量を詰める前提
内部構造	シンプルな1段のゲインリダクション	ルックアヘッド＋複数段リミッティング＋クリッピング併用も
ギター的な例え	アンプのマスターボリュームの上限を守る保険	コンプレッサーを深くかけて音を前に出す感覚
使われる場面	個別トラック、バス、マスターの安全弁として	マスタリングの最終段（音圧の仕上げ）

「まずはこれだけ覚えればOK」というラインはここです。音割れが心配で保険をかけたいならリミッター、曲全体をグッと前に出したい・音圧を稼ぎたいならマキシマイザー。ここから先は、なぜそう言えるのかを仕組みから見ていきます。

リミッターとは：音割れを防ぐための「保険」

仕組み

リミッター（Limiter）は、あらかじめ決めた音量の上限（スレッショルド）を信号が超えそうになったら、その超えた分だけゲイン（音量）を下げて、上限を守るエフェクトです。動作はシンプルで、「超えた分を、素直に、なるべく気づかれないように抑える」というのが基本姿勢です。

多くのリミッターは、信号がピークに達する直前を少しだけ先読みして、ゲインリダクション（音量の引き下げ）を滑らかにかけます。急にバツッと切るのではなく、リダクションの立ち上がり・戻り方（アタック・リリース）にある程度の時間をかけることで、歪みを追加せずに音割れを防ぐのが得意分野です。設定の目安としては、平均で1〜3dB程度のゲインリダクションに収めておくと、音楽的な破綻が少ないとされています。

ギター的にたとえると

リミッターをギター的な感覚で例えるなら、アンプのマスターボリュームの上限を守る保険です。ライブ中にうっかりボリュームノブを回しすぎても、アンプ側に「ここより先は絶対に出さない」というリミッターが仕込んであれば、スピーカーを飛ばしたり音が割れて聴くに耐えない状態になったりする事故を防げます。普段は存在を意識しない、いざというときのためのセーフティネット——それがリミッターの立ち位置です。

DTMの実制作でも同じで、ボーカルの単発トラックやドラムバス、あるいはマスタートラックの最終段に「念のため」挿しておいて、想定外の大きな音が来ても壊れないようにする、という使われ方をします。

実際に使うと何が起きるか

リミッターを軽くかけている分にはほとんど気づかれません。ですが、スレッショルドを低く設定しすぎたり、そもそも入力される音量が大きすぎたりすると、ゲインリダクションが深くなりすぎて弊害が出てきます。具体的には、音の輪郭（トランジェント）が丸くなってパンチが失われたり、リダクションが波打つように動く「パンプ現象」が起きて曲のグルーヴが不自然に感じられたりします。目安として、5dB以上のゲインリダクションが常時かかっているようなら、リミッター1つで音圧を稼ごうとしすぎているサインです。この場合の対処法は、後述するクリッピングとの組み合わせが有効になってきます。

マキシマイザーとは：音圧を積極的に稼ぐための処理

仕組みの概要

マキシマイザー（Maximizer）も、最終的にやっていることの土台は「スレッショルドを超えないようにゲインを制御する」という点でリミッターと同じです。ただしマキシマイザーは、音圧を積極的に、それも音質劣化をなるべく抑えながら稼ぐことを目的に設計されています。そのために、内部では単純な1段のリミッティングでは済まない、いくつもの工夫が同時に動いています。

代表的なのが次の3つです。

1. ルックアヘッド：信号のピークが実際に来る前に、あらかじめ先読みしてゲインリダクションの準備をしておく仕組み 2. 複数段のリミッティング：1つの大きなリダクションをドカンとかけるのではなく、複数の処理段に分けて少しずつゲインを詰めていく仕組み 3. クリッピングの併用：場合によっては、リミッティングだけでなく信号の天井を物理的に切り落とす「クリッピング」を組み合わせて、さらに音圧を稼ぐ仕組み

ギター的にたとえると

マキシマイザーをギター的な感覚で例えるなら、コンプレッサーを深めにかけて音を前に出す感覚に近いです。宅録で弱めに録れたリードギターに、ペダルタイプのコンプレッサーを強めにかけると、粒の大きさが揃って音圧感が出て、ミックスの中で一歩前に出てきますよね。ただし、かけすぎると音が潰れて不自然になったり、サスティンの伸び方が変わってしまったりもします。マキシマイザーも同じで、「積極的に音を持ち上げにいく」処理である以上、うまく使えば市販の楽曲のような迫力が出ますが、雑にかければ音は簡単に破綻します。

リミッターが「普段は目立たない保険」だとすれば、マキシマイザーは「音作りの最終仕上げとして、狙って踏み込みにいく処理」です。この目的の違いが、次に見る内部構造の複雑さの違いにそのまま表れています。

マキシマイザーの中身をもう少し覗いてみる

ルックアヘッド：ピークが来る前に身構えておく

普通のリミッターも簡易的な先読みを持っていますが、マキシマイザーはこのルックアヘッドをより積極的に使います。信号がピークに到達する少し前の時点で「もうすぐ大きな音が来る」と検知し、実際にピークが来た瞬間には、すでにゲインリダクションの準備が整っている状態にしておく。バンドで例えるなら、ドラマーがフィルインに入る直前の一瞬の「ため」を見て、ギタリストがボリュームペダルに足を置いて構えておくようなものです。合図が出てから慌てて反応するのと、あらかじめ構えておいて滑らかに合わせるのとでは、音の自然さがまったく変わってきます。

複数段のリミッティング：一気に絞らず、少しずつ詰める

もう1つの工夫が、リミッティングを1段で済ませず、複数の処理段に分けて少しずつゲインを詰めていく設計です。たとえば「6dB分のリダクションが必要」だとしても、それを1つのリミッターで一気に処理すると、音がベタッと潰れたり不自然なポンピングが出たりしやすくなります。これを2段、3段の処理に分割し、各段で無理のない範囲のリダクションを積み重ねていくと、同じ6dBのリダクションでも聴感上の劣化がぐっと少なく済みます。

これはギターのマルチエフェクターで、1台のペダルで極端に深い歪みを作るより、ブースターとオーバードライブを軽く2段重ねにして同じくらいの歪み量を作ったほうが音の抜けが良くなる、という感覚に近いものがあります。1段に無理をさせず、複数段で分担する。マキシマイザーの音質の良さは、こうした地味な工夫の積み重ねで成り立っています。

なお、こうした複数段の処理を人間の聴覚特性に合わせて最適化する専用のマスタリングリミッターも存在します。人間の耳が音を感じ取る仕組み（臨界帯域と呼ばれる周波数の区分け）に基づいて、帯域ごとに「今このタイミングでどれだけゲインを下げるのが一番自然か」をサンプル単位で計算し続けるようなタイプのプラグインもあり、単純に全帯域を均一に抑えるだけの処理と比べて、音楽的なバランスを保ちながら音圧を稼げるとされています。

クリッピングの併用：あえて天井を切り落とす選択肢

マキシマイザーによっては、リミッティングだけでなく「クリッピング」という処理を内部で併用しているものもあります。クリッピングは、信号が一定のレベルを超えた瞬間に、波形の頭を物理的にスパッと切り落としてしまう処理です。リミッターのように時間をかけてなだらかにゲインを下げるのではなく、瞬時に動作するのが特徴で、キックやスネアのような速いトランジェント（音の立ち上がり）に対してもタイムラグなく対応できます。

ただし、波形の頭を切り落とすということは、その部分に歪みが発生するということでもあります。軽い量であれば密度感やエネルギー感が増して「音が前に出る」ように聴こえますが、かけすぎるとシンバル類が曇ったり、低域が不自然に太くなったりします。目安としては0.5〜2dB程度のカットに留めておくのが安全とされています。

このクリッピングによる歪みは、根っこの部分ではサチュレーションって結局何をしているの？ギターの歪みで例えると分かりやすいで扱った「倍音を足して音を歪ませる」仕組みと地続きの現象です。サチュレーションが「歪みを音作りとして積極的に使う」処理だとすれば、クリッピングは「音圧を稼ぐ副作用として歪みが発生する」処理、という向きの違いはありますが、どちらも波形に手を加えて倍音を足しているという点では親戚同士です。ギターのオーバードライブペダルを深く踏み込みすぎると音が潰れて団子状態になるのと同じ理屈が、ここでも起きていると考えると分かりやすいはずです。

マキシマイザーの多くは、このクリッピングとリミッティングの配分をユーザーが調整できるようになっています。クリッピングの比率を上げるほど音圧は稼ぎやすくなりますが歪みっぽさも増え、リミッティング寄りにするほど自然さは保たれますが音圧の伸びは穏やかになる、というトレードオフを頭に入れておくと、パラメーターをいじるときに迷いにくくなります。

マスタリングでの使い所

こうした複雑な内部構造を持つマキシマイザーが最も活躍するのが、ミックスの最終段であるマスタリングです。マスタリングでは、曲全体のバランスを整えたうえで、最後に「市販の楽曲と並べても聴き劣りしない音圧」に仕上げる作業が必要になります。ここでリミッターだけを使って音量を上げようとすると、前述のとおり5dB、6dBと深いゲインリダクションが必要になりがちで、パンチの喪失やパンプ現象が起きやすくなります。マキシマイザーはこの「深く踏み込んでも破綻しにくい」設計になっているため、マスタリング段階の音圧仕上げに向いているわけです。

具体的な例として、iZotopeのオールインワン・マスタリングプラグインには、その名もずばり「マキシマイザー」というモジュールが用意されています。曲全体をこのプラグイン1つで、EQ・イメージャー（ステレオ幅の調整）・マキシマイザーまで通して仕上げられるようになっていて、AIアシスタント機能を使えば初心者でもある程度のたたき台を自動で作ってもらえます。マキシマイザーモジュール単体の役割や、Gain Match機能（処理前後の音量を揃えて、フェアな耳での比較を可能にする機能）を含めた具体的な使い方は、曲は完成したのに市販の音源みたいに聴こえない人へ。iZotope Ozoneでマスタリングを始めてみるで詳しく解説しているので、実際の操作画面を見ながら試してみたい人はあわせて読んでみてください。

ちなみに同じiZotopeには、歌ものミックスに特化した姉妹プラグインもあります。EQ・コンプレッサー・ディエッサー・リバーブなどボーカル処理に必要な要素をひとまとめにしたプラグインで、こちらは曲全体ではなくボーカルトラック単体の仕上げに使うものですが、「複数の処理を1つのプラグインでまとめて面倒を見てくれる」という設計思想はマキシマイザーと共通しています。気になる人は歌もののミックス、何から手をつければいいか分からない人へ。iZotope Nectarで疑問を解決しますもあわせてチェックしてみてください。

True Peakとの関係：数値上のピークと、実際に鳴る音のピークは違う

マキシマイザーで音圧を攻めていくときに、必ず意識しておきたいのが「True Peak（トゥルーピーク）」という考え方です。DAWのメーターに表示される音量の数値は、デジタル信号のサンプル値そのものの最大値（サンプルピーク）を示しています。ところが、この数値がたとえ0dBFS（デジタル上限）ぎりぎりに収まっていても、それをアナログ信号に変換して実際にスピーカーやヘッドホンで再生したときの波形のピークは、サンプルピークよりさらに高くなることがあります。これがTrue Peakです。サンプルとサンプルの間（インターサンプル）に、メーター上には現れない本当のピークが潜んでいる、というイメージです。

この問題を扱う国際規格（BS.1770）では、信号を4倍のサンプルレートに引き伸ばして推定することでTrue Peakを検出しています。そしてストリーミングサービスの多くは、この True Peak に対して-1dBTP〜-2dBTP程度の上限を設けています。せっかくマキシマイザーで気持ちよく音圧を稼いでも、True Peakが規定を超えてしまうと、配信時に自動的に音量を下げられてしまったり、上限を超えた部分で歪みが発生したりすることがあります。実践的な目安としては、マスタリングの最終出力ではTrue Peakを-1.0dBTP程度に収めておくと、多くのプラットフォームで安全に扱えます。マキシマイザーの出力段に用意されている「Ceiling（天井）」や「True Peak Limiting」といった設定項目は、まさにこのための機能です。

Crest Factorも知っておくと、なぜ音が変わるかが分かる

もう1つ、リミッターやマキシマイザーの動きを理解するうえで知っておくと便利な言葉が「Crest Factor（クレストファクター）」です。これは、音のピーク値を平均値で割った数値で、ざっくり言えば「瞬間的な音の鋭さ」を示す指標です。ドラムやパーカッションのように一瞬だけ大きな音が飛び出す素材はCrest Factorが高く、逆にずっと同じくらいの音量で鳴り続けるベースやパッド系の音は低くなります。

Crest Factorが高い、つまりピークが鋭い素材にリミッターやマキシマイザーをかけると、その鋭いピークのタイミングだけ強くゲインが下げられるため、音色が変化しやすくなります。ドラムの「アタック感」が丸くなってしまうのは、多くの場合このピークの鋭さが処理でならされてしまうことが原因です。マスタリングプラグインの中には、リミッターやマキシマイザーに入力する前の段階で低域のCrest Factorを調整するモジュールを備えているものもあり、ドラムの迫力をなるべく残したまま音圧を上げる工夫がされています。「音圧を上げると必ずドラムが軟弱になる」というわけではなく、入力側の下ごしらえ次第で結果が変わってくる、と知っておくと対処の幅が広がります。

処理する順番の考え方

ミックスやマスタリングのシグナルチェーン（信号が通る順番）では、EQのように「入力が変わっても結果が変わらない」静的なエフェクトは、基本的にどこに置いても結果は大きく変わりません。ところがクリッピング・リミッティング・マキシマイジングのように「入ってくる音の大きさそのもの」に反応して動く処理は、置く順番によって結果がはっきり変わります。

マスタリングの実践的なチェーンとしてよく紹介されるのが、次のような並びです。

“` EQ（トーンの土台を整える） → クリッパー（速いトランジェントを軽く整える、0.5〜2dB程度） → リミッター／マキシマイザー（残りのピークを滑らかに抑えて音圧を仕上げる、1〜3dB程度） → メーター（True Peakを確認） “`

ポイントは、いきなりリミッターやマキシマイザー1つに全部を背負わせないことです。速いトランジェントの処理をクリッパーに軽く任せてから、残りの分だけをリミッター・マキシマイザーで仕上げると、同じ音圧でもゲインリダクションの深さを浅く抑えられ、結果として音質の劣化が少なくなります。「マキシマイザーのゲインリダクションがどうしても深くなってしまう」というときは、前段にクリッパーやサチュレーションを軽く足して、入力そのものの尖りを減らしてあげるのも有効な手です。

また、リミッターはマスタリングの最終段だけでなく、ミックスの途中でも活躍します。ドラムバスに軽くかけて全体の音量感をまとめたり、ボーカルの単発トラックに保険としてかけておいたりする使い方です。一方でマキシマイザーは、曲全体の音量を積極的に持ち上げる処理という性質上、基本的には曲を通して1回、マスタリングの最終段で使うのが一般的です。個別のトラックにマキシマイザーをかけることは、少なくとも初心者のうちはあまりおすすめできません。

ありがちな失敗パターン

1. ミックスの時点で音圧を稼ごうとして、マスタートラックにマキシマイザーを挿しっぱなしにする

作業中ずっとマキシマイザーがかかった状態で個別のトラックを調整していると、「マキシマイザーの効果で気持ちよく聴こえているだけ」なのか「実際のミックスバランスが良い」のかの判断がつかなくなります。マキシマイザーは基本的に、ミックスがある程度固まったマスタリングの段階で使うものと考えておくと、判断がぶれません。

2. リミッターだけで無理やり音圧を稼ごうとする

リミッター1つに何dBものゲインリダクションを背負わせると、パンチの喪失やパンプ現象が起きやすくなります。「音圧が足りない」と感じたら、リミッターの設定を追い込む前に、そもそものミックスバランスやゲインステージング（各段階での音量設計）を見直したほうが早いことが多いです。

3. Gain Match（音量を揃えた比較）をせずに、処理後の音だけを聴いて「良くなった」と判断する

マキシマイザーをかけると単純に音量が大きくなるため、バイパスと比較すると常に「かけたほう」が良く聴こえてしまいます。これは処理の質ではなく、単に音量が大きいことによる錯覚（音が大きいほど良く聴こえるバイアス）です。多くのマスタリングプラグインにはバイパス前後の音量を自動で揃えてくれる機能が用意されているので、必ずこれを有効にしたうえでオン・オフを比較する習慣をつけると、判断の精度が上がります。

4. True Peakを確認せず、サンプルピークだけを見て「0dBFSぎりぎりまで音圧を上げた」と満足する

前述のとおり、サンプルピークが上限内に収まっていてもTrue Peakは超えていることがあります。書き出したファイルは、可能であればTrue Peak対応のメーターで最終確認をしておくと、配信時の思わぬ音量ダウンや歪みを防げます。

DTM初心者は、まずどこから触ればいい？

1. まずはリミッターを、ドラムバスかマスタートラックに軽くかけてみる。ゲインリダクションのメーターが1〜3dB程度で収まる設定から始め、「かけている」と気づかれないくらいの量を目指す 2. 同じ曲を最後まで仕上げたら、マスタリングの段階でマキシマイザーを試してみる。まずはプリセットやAIアシスタント機能があればそれを使い、Gain Matchを有効にしてオン・オフを比較する 3. ゲインリダクションが深くなりすぎていないか確認する。目安を超えて音がベタッとしてきたら、それは「マキシマイザーの限界」ではなく「入力側を整理すべきサイン」だと考える 4. 書き出す前にTrue Peakを確認する。-1.0dBTP程度を目安に、Ceiling設定を調整しておく

いきなり完璧な音圧を狙う必要はありません。まずはリミッターとマキシマイザーの「目的の違い」を意識するだけで、プラグインを開いたときの迷いはかなり減るはずです。

まとめ

リミッターとマキシマイザーは、どちらも「音量の上限を超えないようにする」という基本動作は同じ
リミッター：音割れ防止のための保険的な処理。スレッショルドを超えた分を素直に抑える。アンプのマスターボリュームの上限を守る保険のような存在
マキシマイザー：音圧を積極的に上げるための処理。ルックアヘッド・複数段リミッティング・クリッピングの併用などを組み合わせ、音質の劣化を抑えながら音量を底上げする。コンプレッサーを深くかけて音を前に出す感覚に近い
マキシマイザーのクリッピング処理は、サチュレーションと同じく「歪みを足して倍音を増やす」処理と地続きの現象
マスタリングではiZotope Ozoneのマキシマイザーモジュールのような専用ツールが定番の選択肢
音圧を攻めるほどTrue Peak（実際のアナログ波形のピーク）に注意が必要。目安は-1.0dBTP
処理順序はEQ→クリッパー→リミッター／マキシマイザー→メーターが基本。1つのプラグインに無理をさせず、段階的に分担するのが音質劣化を抑えるコツ

仕組みを分解してしまえば、この2つは「同じ土台の上に、目的に応じて違う工夫を積み重ねたもの」だと分かります。まずは自分の曲のマスタートラックで、軽いリミッターとマキシマイザーを両方試して、ゲインリダクションのメーターの動き方と音の変化を見比べてみてください。──耳と目の両方で違いを覚えるのが、結局いちばんの近道です。

Newfangled Audioによるクリッピングとリミッティングの使い分け解説記事（英語）では、処理順序ごとの音の違いについてさらに詳しく解説されているので、もう一歩踏み込みたい人はあわせてどうぞ。

ジミ・ヘンドリックスの使用機材まとめ｜Jimi Hendrix Experienceの伝説的サウンドを生むギター・アンプ・エフェクター

誰得ギター — Mon, 14 Sep 2026 23:00:00 +0000

「ギターでこんな音が出せるのか……」と、初めて聴いたときに衝撃を受けた人も多いはず。ジミ・ヘンドリックス（Jimi Hendrix）は、わずか4年ほどのメジャーキャリアの中で、後のギタリストたちの発想そのものを変えてしまった人物です。

この記事では、ヘンドリックスが実際に使っていたギター・アンプ・エフェクターを、初心者の方にも分かりやすいようにまとめて紹介します。機材をただ揃えるだけでは同じ音にはなりませんが、「なぜその機材を選んだのか」を知ることは、自分の音作りを考えるうえでも大きなヒントになるはずです。

ジミ・ヘンドリックスとは

ジミ・ヘンドリックスは、1960年代後半にThe Jimi Hendrix Experienceを率いて活動したアメリカ出身のギタリスト・シンガーソングライターです。「Purple Haze」「Voodoo Child (Slight Return)」などの楽曲や、1969年のウッドストック・フェスティバルでの伝説的なパフォーマンスで知られています。1970年に27歳で亡くなるまでの活動期間は決して長くありませんでしたが、フィードバックやファズを「ノイズ」ではなく「表現」として使いこなしたその音作りは、今なお多くのギタリストの手本になっています。

先に結論：主な使用機材まとめ

まずはざっくりとした全体像から見ていきましょう。

カテゴリ	主な機材
メインギター	Fender Stratocaster（Olympic White／Black、1964〜1968年製）
メインアンプ	Marshall Super 100（JTM45/100）ヘッド＋4×12キャビネット
主なエフェクター	Dallas Arbiter Fuzz Face、Vox V846 Wah、Uni-Vibe（Shin-ei製）、Octavia（Roger Mayer開発）
弦・ピック	Fender ロックンロール150弦、Fenderセルロイドピック（ミディアム）

ここから、それぞれのカテゴリを詳しく見ていきます。

ギター：右利き用ストラトキャスターを左利きで弾く

ヘンドリックスのメインギターは、一貫してFender Stratocasterでした。特に有名なのが、1969年のウッドストックで演奏した白（オリンピック・ホワイト）のストラトキャスターと、1968年10月から1970年の死までメインで使い続けたとされる黒のストラトキャスターです（参考：Ground Guitar）。

ヘンドリックスのギターを語るうえで欠かせないのが、「右利き用のギターを左利きのまま弦だけ張り替えて弾いていた」という点です。ボディの形状は右利き用のままなので、コントロールノブやピックアップセレクターが通常とは逆の位置に来ます。この非対称な配置が、ピッキングの角度やアーム操作のしやすさに独特の影響を与え、結果として彼にしか出せないニュアンスが生まれていたとも言われています。

同じストラトキャスター使いとして知られるギタリストにデヴィッド・ギルモアがいますが、こちらは右利き用のストラトをそのまま使い、コンプやディレイを効かせて伸びのあるロングトーンを追求するスタイル。同じ「ストラト」でも、ヘンドリックスの荒々しさとギルモアの浮遊感はかなり対照的で、比べて聴いてみると機材の個性よりも弾き手の個性がいかに大きいかがよく分かります。

アンプ：マーシャルをフルテンで鳴らす

アンプは、Marshall Super 100（マーシャル初期モデルの流れをくむJTM45/100系ヘッド）を、4×12インチキャビネットと組み合わせて使用していました。1966年秋にマーシャルの創業者ジム・マーシャル本人と直接会い、複数のヘッドとキャビネットを揃えたというエピソードが伝えられています（参考：Far Out Magazine）。

よく語られるのが、ヘンドリックスはアンプのボリューム・トーンのツマミをほぼすべて最大（フルテン）近くまで上げて鳴らしていたという逸話です。当時のマーシャルのヘッドは現在のハイゲインアンプほど歪みを作り込めるものではなかったため、フルテンにした素の音圧と、後述するファズやオクターブファズを重ねることで、あの分厚く暴力的なサウンドを組み立てていたと考えられます。

エフェクター：ワウ→ファズ→ユニバイブの並び

ヘンドリックスのボードは決して複雑ではありませんが、それぞれのエフェクトの「使い方」に強烈な個性がありました。一般的には、ギター→ワウ→ファズ→ユニバイブ→アンプという順番で接続されていたと紹介されることが多いです（参考：Ground Guitar）。

Dallas Arbiter Fuzz Face：「Purple Haze」などで聴ける歪みの核となったファズペダル。初期のゲルマニウムトランジスタ版（温かみのある柔らかい歪みになりやすいとされる）と、後期のシリコントランジスタ版（より硬く輪郭のはっきりした歪みになりやすいとされる）の両方を使い分けていたとされています。ファズがどうやって音を潰して分厚くしているのか気になった方は、当サイトのサチュレーションの解説記事もあわせて読んでみると、歪み系エフェクトの仕組みがつながって理解しやすくなるはずです
Vox V846 Wah：「Voodoo Child (Slight Return)」の印象的なイントロなど、ワウペダルを単なる「泣き系エフェクト」ではなく、フレーズの一部として使いこなしていました
Uni-Vibe（当時はShin-ei製）：もともとレスリースピーカーの揺れを再現するために作られたモジュレーション系エフェクターで、1969年以降のライブでより頻繁に使用するようになったと言われています。ウッドストックでの「Machine Gun」的な浮遊感のあるトーンにも、このユニバイブの存在が大きく関わっています
Octavia：エンジニアのRoger Mayerが開発したオクターブファズ。「Purple Haze」や「Fire」のソロで聴ける、1オクターブ上の倍音が混ざったような特徴的な音色を生み出しています

エフェクターの数自体はそこまで多くありませんが、「歪みを重ねる」「ワウをフレーズに組み込む」「オクターブ成分を足す」という3つのアプローチを組み合わせることで、当時としては前例のない音の幅を作り出していたことが分かります。

弦・ピックへのこだわり

弦はFenderのロックンロール150弦、ピックはFenderのセルロイド製ピック（ミディアムサイズ）を使用していたとされています。派手なエフェクターボードの裏で、こうした基本的な部分は意外とオーソドックスな選択をしていたのも興味深いポイントです。

同時代のギタリストとの違い

ヘンドリックスと同じ1960年代後半のブルース／ロック・シーンを支えたギタリストとしてエリック・クラプトンが挙げられます。クラプトンがブルースの語法を丁寧に磨き上げていくタイプだとすれば、ヘンドリックスはフィードバックやファズといった「ノイズ」寄りの要素まで積極的に音楽の一部として取り込んでいくタイプ。同じ時代に活動していたからこそ、機材へのアプローチの違いがそのまま音楽性の違いとして表れているのが面白いところです。

まとめ

ジミ・ヘンドリックスの音作りは、左右逆に張り替えたストラトキャスター、フルテンのマーシャル、ワウ・ファズ・ユニバイブ・オクタビアという少数精鋭のエフェクター群、そしてFenderの弦とセルロイドピックというオーソドックスな選択という、機材数自体はシンプルな組み合わせでした。それでもあれほど独創的なサウンドになったのは、「機材をどう鳴らすか」「どう組み合わせるか」に対する発想そのものが規格外だったからだと言えるでしょう。

「歪みを重ねて音圧を作る」「ワウをフレーズの一部として使う」という考え方は、現代のギター・DTM環境でも十分に応用できる部分です。──同じ機材を全部揃えることはできなくても、ヘンドリックスの機材の「組み合わせ方」の発想だけは、今日からでも真似できるはずです。

ULTEX（ウルテム）素材のピックがすばらしい！デメリットはある？

誰得ギター — Wed, 10 Aug 2011 18:22:19 +0000

いまでこそウルテムピックが一般的になりましたが、しばらく使っていないと戻ってきたくなる魅力があります！

ウルテムピックにたどり着く以前。

元々筆者はピックを使用する際JAZZⅢを好んでいた。
JAZZⅢはナイロン素材なので感触は良いのだがちょっと音抜け面に不満があった。

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ギタリストなら一度はコピーしたくなるポール・ギルバートの楽曲。
そこからポール・ギルバートモデルのピックへ行き着き、しばらくはポール・ギルバートモデルのピックに落ち着いた。

しかし弾きやすさのメリットはあるものの、ポール・ギルバートモデルは２つに剥がれてしまう現象がおき寿命が短い。

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ピック探しの終わらない旅は続く。
他のピックへの浮気をしてみたいと思っていたところ、ULTEX（ウルテム）素材のピックというものがあって、新商品に目がない筆者は即手に入れた。

ウルテムピックの魅力

ULTEX素材のピックは「鼈甲や爪に近いサウンド」が出るらしく、人爪の出音にこだわるプレイヤーには良い商品だ。

使用感としては、出音がはっきりした。シャープな印象。速い音符や、伴奏にも良い影響を与えるでしょう。また滑りにくいのも良かった。
皮膚が乾燥しやすいのでピックが滑るのが意外と問題だったのだ。
滑り止めがついているピックは触り心地が嫌だったのでこれまた大きなポイントだった。

チョーキングをするときにチョップを加えるとミュート音がハッキリと出でるので、アクセントとしての効果音がバッチリ出力される。
音抜けも良いのでギターがとても綺麗になってくれる。
欠点としては「キュ、キュ」といった弦のこすれる音もボリュームが上がってしまう点。

ウルテムピックにもデメリットはある。

市販されているウルテムピックは大体が1mmの分厚さだが、薄いウルテムピックも試したし、もっと分厚いウルテムピックでも同様の現象が起こった。

Presence領域を上げすぎると弦のこすれる音がかなり目立つので、弦をひっかくピッキングをメインにしている場合には不快な音になってしまう可能性もあり。

音の作り方によっては「カッカッカッ」というアタック音が耳障りになる人もいるだろう。
出音は非常に気持ちが良いのだけれども、ガンガンに歪ませて弾く場合にはリスキーな音も出ることは覚えておかねばならない。
1mm程度のウルテムは音の粒が非常に揃って演奏していて気持ちが良い。

代表的なセルロイドに比べると、ウルテムの方が高域が抑えられてしまう。
この辺りは好みのため、アコギを主体に演奏するのであればウルテムピックよりセルロイドのほうがシャリシャリ感がでて埋もれない。

弦を力強くアタックしたときの感覚は気持ち良いので、JAZZⅢだとどうしても音がこもりがちで気になる場合には試してみるのをおすすめする。

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【レビュー】自宅用途で使えるヒュースアンドケトナー Tube Meister 18 Head(チューブマイスター18)を購入しました。

誰得ギター — Thu, 29 Nov 2012 13:56:36 +0000

Tube Meister 18 Headは2022年3月現在廃盤になっていて中古市場でしか購入できません。
ヒュースアンドケトナーのアンプには音質を変えずにワット数を下げるパワーソーク機能があります。
もちろんスピーカーサイズによって変わりますがアパート住みの場合、1WでもボリュームMAXにすると大音量になります。許容できて5Wまでだと個人的には思っています。

■自宅用のヒュースアンドケトナー真空管アンプが欲しい
・GrandMeister Deluxe 40

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■ソリッドステートでも構わないので自宅用のヒュースアンドケトナーアンプが欲しい
ソリッドステートの方が価格は安いです。

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Tube Meister 18 Headレビュー

年末にむけて自宅用チューブアンプが欲しいと常々思っていましたが、ようやく重い腰をあげ
購入に踏み切りました。

購入したのはHUGHES&KETTNER ( ヒュースアンドケトナー ) / Tube Meister 18 Head。

ヒュースアンドケトナーといえば
もちろん青く光ります。

専用のキャビネットも一緒に購入しました。
キャビネットの外側に傷があったため若干値引きしてもらい
ヘッドとセットで8万！と言われ、10万貯めたら購入と考えていたのですが、即決してしまいました。

家に置いたときのスペース感はそれほどジャマにならず、小さなインテリアにもできます。

高さは2歳児が立ったときぐらい。
1mもありません。

■ギターアンプヘッド
■出力：18W（パワーソーク：18W/5W/1W/0W）
■真空管：12AX7×2、EL84×2
■クリーン/リード 2チャンネル仕様
■コントロール：ゲイン、マスター、3バンドイコライザー、リードブースト
■レッドボックスアウト、エフェクトループ、チューブセーフティコントロール装備
■寸法、重量：356x156x150mm、5kg
■CustomTube直系のDNAを受け継ぐ「チューブマイスター」。チャンネル&3-BandEQによるコントロールで多彩なサウンドづくりを実現。パワーソークは0Wから18Wモードの切り替えが可能で、自宅レコーディングからライヴパフォーマンスまで、あらゆるシーンで実力を発揮。

事前評判が高い「Tube Meister」シリーズ。

背面にはSEND/RETURNの口、
ダイレクトボックス、チューブセーフティコントロール装備
ワット数の切り替えスイッチがあります。

売りはワット数を切り替えられる点でしょう。
ワット数を切り替えて音を出しても音質の変化がほとんどありません。
リードチャンネルは若干物足りない感もありますが、ギターをがんがんに歪ませたモダンへビネスのようなサウンド以外は
ほぼ対応が可能。
フットスイッチは別売りです。

最近では18Wよりももっとライブ利用をベースにしたTube Meister36が発売されました。
Tube Meister36も考えたのですが、値段が一ケタ変わってしまう点、自宅での利用がメインのため36Wも
必要ない点などから外しました。

1チャンネルのTRIAMPもありますが、Tube Meiste5は
5Wと0Wの切り返しか出来ません。
0Wはサイレントモードでミキサーなどにつなぐ宅録モードです。

一方Tube Meister18では18W,5W,1W,0Wと切り替えができます。
自宅用では1Wでもフルテンで鳴らしてしまうとうるさいのでちょうどよく鳴らせます。
1Wのフルテンは二人の赤ん坊が大泣きしているような音量だと思います。

以前ヒュース&ケトナーのフラッグシップモデルTRIAMP MKII MIDIを所有していましたが、
キャビネットを置くスペースが無い点、音がデカすぎる点から
自宅では鳴らすことをあきらめていました。

Tube Meister18ではTRIAMPに似た音が自宅で演奏出来ます。
これは非常に嬉しい。

サウンド面ではTRIAMPのAチャンネルの音に似ています。
さらっとしたドライブサウンドと、いつまでも弾ける太い暖かみあるクリーンが気持ち良いです。

トランジスタアンプのクリーンに弾いていて物足りなさを感じる人には
このクリーンサウンドが非常に満足できると思います。

自宅用途にしては高価なのですが、非常に満足できる買い物でした。

購入時に店員に聞いたのですが、Tube Meisterシリーズでは18が一番売れているとのことです。
5Wだとワット数の切り替えがたりないこと、36だと値段と音量がデカすぎることとからだそうです。

流行のミニ真空管アンプ類の中でもダントツに良いと勧められてしまいました。
実店舗に無い場合もあるので、見かけた際はぜひ試奏することをおすすめします。

2021年6月現在、Tube Meister18は生産終了品扱いになっています。
中古でしか購入ができません。

真空管のギターヘッドで持ち運びできるサイズですと現行品は GrandMeister Deluxe 40のみになっています。
Tube Meister18に比べるとだいぶ価格帯があがってしまうのが残念ですがエフェクト入りの４ch使用は汎用性がありすぎてずっと使えるアンプです。
やはり真空管のヘッドは譲れない！という人にはGrandMeisterはかなりドンピシャで弾き続けたくなるアンプです。

Hughes&Kettner の場合にはフロアタイプのソリッドステートアンプを主軸に売り出しているのでそちらを試してみるのも良いと思います。
フロアタイプですとフットスイッチが一体型になっているのでより実践的に使えること間違いなしです。

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